The Golden Age of Painting
Picasso was able to explore the spirit of a bygone era thanks to the musketeer as a motif and break free from the constraints of modern subject matter. These figures reflected the impact of
Velázquez, Rembrandt, and Rubens on Picasso’s art and represented the courtly manners of the Renaissance gentleman as well as the height of painting.
Picasso spent a significant amount of time and energy in the 1960s reinterpreting and studying the Old Masters, an endeavor that allowed him to further cement his relationship with some of
the greatest painters in art history.
According to his wife Jacqueline Roque, the musketeer series began «when Picasso started to study Rembrandt,» but his admiration for other important Renaissance figures, such as
Shakespeare, also had an impact on how these characters looked. At the time, Picasso seldom left his rural home outside of Mougins since
he preferred to spend his time immersed in the great works of art. He was concentrating on reinterpreting the old masters, which confirmed his relationship to the greatest artists in history.
Why the Theme of War?
Ariel View of Guernica after the Bombings, 1937
In 1937, the Spanish republic asked Picasso to create a large composition for the Paris International Exhibition. This request came just after the most destructive event of the Spanish civil war: the bombing of the small Basque village of Guernica. The commune was destroyed; hundreds had been killed or hurt, all of whom were innocent civilians. Picasso, who was living in Paris at the time, learnt about the ordeal through newspapers. Deeply moved by the testimonies he read and the photographs he saw, Guernica became his enraged cry against this absence of humanity. Picasso’s disdain of the war was evident, and when Nazi ambassador, Otto Abetz stood in front of the piece and asked Picasso if “it was that had made this” Picasso defiantly replied “no, you did”.
Память
- Музей Пикассо был открыт в Барселоне. В 1960 году близкий друг и помощник Пикассо Хайме Сабартес и Гуаль принимает решение пожертвовать свою коллекцию работ Пикассо и организовать музей Пикассо. 9 мая 1963 года в готическом дворце Беренгер де Агилар открылся музей под названием «Коллекция Сабартеса». Музей Пикассо занимает пять особняков на улице Монткада-Мека, Беренгер-д’Агилар, Маури, Финестрес и Баро-де-Кастельет. В основе музея, открывшегося в 1968 году, была коллекция друга Пикассо Хайме Сабартеса. После смерти Сабартеса, Пикассо в знак своей любви к городу и в дополнении к огромному завещанию Сабартеса, в 1970 году отдал в музей около 2450 работ (полотен, гравюр и рисунков), 141 работу из керамики. Более 3500 работ Пикассо составляют постоянную коллекцию музея.
- В 1985 году музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). В 2003 году Музей Пикассо был открыт в его родном городе Малаге.
- Его роль в фильме Джеймса Айвори «Прожить жизнь с Пикассо» (1996]) сыграл Энтони Хопкинс.
- Именем Пикассо названо несколько моделей автомобилей компании Citroën.
Van Gogh: Patron Saint
Van Gogh is the least frequently mentioned of all the painters Picasso connected with, yet he was arguably the one who meant the most to him in his
final years. He was always spoken of as his patron saint and always with the utmost respect and sympathy, never with any of his customary cynicism or ridicule. Like
Cézanne earlier in Picasso’s life, Van Gogh was sacred.
Picasso’s musketeer would occasionally wear a yellow hat; its importance was connected to another area of the artist’s work. Picasso appears to have been thinking most frequently about
Van Gogh around the middle of the 1960s. Although Picasso used Renaissance painters as inspiration, it is apparent that the Dutch artist was a major influence on his interest in shrouded
self-portraits and the stylistic vivacity of his later works. Picasso’s brushstrokes have a richness and spontaneity that are strongly evocative of Van Gogh; it’s as though by channeling
the spirit of the artist, Picasso found renewed energy for his own work.
Picasso’s self-portrait in the iconography of the musketeer demonstrates the artist’s self-awareness in his later years. Picasso’s Spanish ancestry and his longing for the exuberance of his
youth were suggested by the figure of the musketeer at the end of his life.
Кубизм и известность
Несмотря на враждебное отношение публики к новой кубистской тенденции, их покупали. И довольно часто. В полку почитателей Пикассо прибыло, появилось много русских, немцев, американцев. От нужды, в которой художник жил всего три года назад, не осталось и следа.
«Хлеб и ваза с фруктами на столе» и «Пейзаж с двумя фигурами»
В сентябре 1909 года Пикассо и Фернанда покинули Бато-Лавуар. Со своим сиамским котом они переехали в светлую, просторную квартиру-мастерскую в доме 11 на бульваре Клиши. Их окна выходили на море зелени, свет был великолепен. За столом прислуживала домработница в белоснежном переднике, в комнате стояли мебель красного дерева, рояль… Декорации полностью переменились, как и сама жизнь: отныне по воскресеньям устраивались приемы!
Работы «голубого» периода (1901-1904)
«Завтрак слепого» 1903
«Суп» 1902
«Мать и дитя» 1903
«Любительница абсента» 1901
«Гладильщица» 1904
«Нищий старик с мальчиком» 1903
«Жизнь» 1903
«Две сестры (Свидание)» 1902
«Голубая комната (Ванна)» 1901
«Гурман» 1901
«Сидящая женщина в капюшоне» 1902
В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.
Мастерская и хаос
В мастерской пахло льняным маслом, которое использовалось для лампы и разбавления красок. У стен стояли десятки картин. Та, над которой он работал в данный момент, стояла прямо на полу, опираясь на ножку мольберта. Рядом с мольбертом — краски, кисти, множество баночек, тряпочек и жестяных коробок.
Пикассо
А еще книги, странные предметы, какая-то цинковая труба — настоящий хаос с белыми мышами в выдвижном ящике и искусственными цветами, которые он нашел у старьевщика и купил, потому что понравился их цвет…
Невероятный хаос. Но жизненно необходимый. Пикассо всегда его любил. Возможно, он казался ему богаче идеями, чем порядок.
Это была его собственная система. Вещи находили место в потребности быть там или тут в данный момент. Внешний порядок, наоборот, нес в себе нечто навязанное, сковывал дух.
Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Солера»
Практически весь 1903 год Пабло Пикассо провел в Барселоне, где обзавелся множеством друзей. Для некоторых из них, очень молодой на то время художник написал портреты. Среди числа счастливчиков оказался и Солер, модный портной того времени, помогающий молодым художникам.
Известно, что Солер отдавал одежду в обмен на картины, ведь Пабло Пикассо, как и большинство художников, вел полу нищенский образ жизни. «Портрет Солера» стал не единственной работой, написанной для друга. В течении всей дружбы, которая длилась не один год, художник работал над картинами, посвященными Солеру, также изображая на них семью известного портного.
На данном портрете Солер изображён одиноко сидящим за столиком в кафе. Лицо выполнено в жёлтых оттенках с четкой прорисовкой всех мелких деталей. Художник изобразил его выражение меланхоличным и печальным, что было поистине присуще другу. Фон изображен очень темными тонами, даже выглядывающие кисти рук из-под одежды выглядят бледно и приглушённо, весь акцент картины заключен непосредственно в лице, которое выглядит ярким пятном, среди глубокого полумрака.Пабло Пикассо в своей работе стремился обозначить элегантность и артистизм, присущую Солеру. Показать всю красоту худощавого лица с аккуратной бородкой и приподнятыми кончиками тонких усов. Оно у портного бледное и призрачное, с присутствующим лёгким нервным напряжением.
Глядя на «Портрет Солера», выполненный в темных сине-зеленых тонах, мы видим, сидящего перед нами человека, глаза которого полны печали и одиночества, заключенного среди людей. Именно эти чувства посещали и самого Пикассо в определенный период жизни. Возможно, в изображении друга, близкого художнику по духу, молодой Пикассо отразил и свой внутренний мир, с присущими ему эмоциями.
Описание картины Пабло Пикассо «Петух»
В довоенный период, когда Пабло Пикассо увлекся сюрреализмом, воплощая в нем свою бурную, не поддающуюся описанию фантазию, появилось цветное графическое изображение под простым названием «Петух». Картина написана в стиле экспрессионизма, притягивая взгляд к грубому графическому изображению домашней птицы яркими красками, показав необыкновенную красоту и в то же время присущую ей тупость.
Картина выполнена в сочных, красочных тонах, где тщательно прорисована каждая часть петуха
Более детально изучив картину, стоит обратить внимание, что художник прибегнул ещё к одному жанру, используя кубизм в определенных элементах. Петух стоит, открыв клюв, в котором виднеется длинный язык
Насыщенной алой краской прорисованы детали головы петуха и гребешок.
Крупными мазками яркой контрастной друг другу краски выделены перья птицы, покрывающие все маленькое тельце. На ногах петуха выделяются острые шпоры, которые он с гордостью демонстрирует зрителю. Фон обозначен достаточно просто и незамысловато, художник решил оформить его плавными бежевыми разводами, которые своей невзрачностью и блеклостью позволяют ещё больше выделить красоту главного образа голосистой птицы.
Работая над картиной «Петух» Пабло Пикассо стремился показать всю роскошь и в то же время абсолютную дурость и агрессию, присущую данной птице. Художник изобразил его без лишних деталей и сложных мазков, также, не используя игру света и тени, однако, картина настолько притягивает взгляд, что стала одной из самых узнаваемых работ именитого автора.
Пабло Пикассо создал целую серию картин, главным героем которых был непосредственно петух. Эти работы привлекательны своей ненавязчивой простотой и в то же время яркой современной оригинальностью, присущей только работам Пикассо.
Женщины и картины
Для каждой женщины в своей жизни Пикассо изобретал особую стилистику. Формы Марии-Терезы переданы округлыми, гармоничными линиями, арабесками. Дора Маар часто представлена яркими цветами, заостренными формами: длинные красные ногти, волевой подбородок, искрящиеся энергией глаза.
«Портрет Марии-Терезы» (слева) и «Портрет Доры Маар» (справа)
На «Портрете Жаклин со скрещенными руками» Жаклин Рок со своим прекрасным греческим профилем — для Пикассо воплощение средиземноморской женщины. На работе «Женщина-цветок» густая шевелюра Франсуазы Жило разметалась, словно лепестки. Ее тонкая талия еще ужата, словно стебель, несущий круглые, как бутоны, груди.
«Портрет Жаклин со скрещенными руками» (слева) и «Женщина-цветок» (справа)
Вот что писала о работе Пикассо Франсуаза Жило — художница и возлюбленная, которая родила ему двоих детей.
— Пабло простаивал перед мольбертом, почти не двигаясь, часа три-четыре. Я спросила, не утомляет ли его такое долгое стояние на одном месте. Он покачал головой.
— Нет. Потому‑то художники и живут так долго. Я, пока работаю, оставляю свое тело за дверью, подобно тому как мусульмане — обувь перед входом в мечеть.
Пикассо и Франсуаза Жило на вилле «Галлуаз» в Валлорисе, 1951
Когда дневной свет начинал исчезать с холста, Пабло включал два прожектора, и всё, кроме картины, исчезало в тени.
— Всё, кроме холста, должно быть в темноте, — сказал Пабло, — чтобы собственная работа гипнотизировала художника и он писал будто в трансе. Художник должен находиться как можно ближе к своему внутреннему миру, если хочет выйти за те пределы, которые разум постоянно стремится навязать ему.
Описание картины Пабло Пикассо «Дриада»
Великолепную габаритную картину «Дриада» или «Обнаженная в лесу», Пабло Пикассо написал маслом на холсте в свой африканский период.
Искусство Африки всегда привлекало художника. Он восхищался выставочными экспонатами в музеях, восторгался необычной притягательной силой магии скульптур, которые часто были грубыми, однако очень притягательными.
Картины была написана в 1908 году. Живописец изобразил на картине не то женщину, не то идола из дерева. Создается впечатление, что он просто вытолкнул из чащи древний лесной дух-божество – дриаду. Мастер кисти считал, что магию матушки-природы можно с легкостью передать магией красок. В раннем кубизме картина «Дриада» выгодно выделяется тем, что она наполнена энергией жизни, ведь деревянный истукан – не застывшая фигура, а жестикулирующая Галатея.
О том, что к написанию «Дриады» Пикассо подошел по-особенному, свидетельствует размер полотна. Тщательно продуманную композицию художник перенес на большой холст. Это говорит о том, что картина довольно значима.
Фон полотна своеобразен. Скульптурная фигура обрамлена двумя стволами мертвенных деревьев, которые образуют нишу. Сама же дриада выдвинута вперед. Цветовое решение тоже специфическое: лицо затемненное, а во всем образе преобладает оттенок желтой охры.Главное, что впечатляет зрителя при рассматривании «Дриады», – упрощенная манера написания и огрубление при изображении женского тела.
К подобным действиям живописца побуждал эпатаж, ведь Пикассо стремился с помощью самых простых методов передать реальность. Его произведение не свелось к геометризации, оно имеет собственный смысл.
Таинственный мир «Дриады» мрачный, открыт для темных сил, его не озаряет свет солнца. Силуэт женщины, исполненный в коричневых оттенках (от светлого до темного) немного вульгарен, со скрытой энергией. Это свидетельство того, что художник часто размышлял над противоречивостью человеческой природы.
«Розовый» период
«Розовый» период пришелся на 1904 — 1906 годы. Он получил это название из‑за охристого и бледно-розового цветов, доминировавших в полотнах художника, и хрупкости, характерной для его персонажей. Чаще всего это акробаты и бродячие актеры, беззащитные обитатели обочины жизни, каждый жест которых говорит о грации и смирении.
Портрет Гертруды Стайн
В это же время был написан «Портрет Гертруды Стайн». Гертруда Стайн позировала на протяжении длительного времени. Весной 1906‑го Пикассо смыл лицо, потому что был им недоволен. Осенью, вернувшись из Го́соля, он вновь взялся за него, придав ему вид маски. Гладкий, выпуклый лоб, обезличенные, правильные и схематичные черты. «Это единственный мой портрет, который всегда остается мною», — сказала модель.
