Дора Маар с кошкой
«Дора Маар с кошкой». У художника с Дорой Маар сложились яркие, страстные отношения длиной в десять лет, она была его музой неоднократно. Дору нельзя назвать нежной и хрупкой, ее женственность заключается в загадочности, силе, необычайной энергии. Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо. Дама в шляпке и острыми синими ногтями невольно вызывает ассоциации с представителями семейства кошачьих, от нее веет независимостью, непокорным нравом. Лицо, изображенное одновременно и в профиль, и анфас с деформированными носом, ртом и глазами, нельзя назвать красивым, но сложно забыть. Изображение маленькой черной кошки на плече женщины лишь подчеркивает яркость характера, некую агрессивность Доры Маар.
Who was Picasso?
Photograph of Pablo Picasso, 1962 (Photo: Public domain via Wikimedia Commons)
Picasso (1881 – 1973) was a Spanish child prodigy who began his creative career at the age of thirteen. As he continued making art, his realist, academic approach to painting waned, while other more imaginative styles became increasingly prominent. His body of work can be traced through eight different periods: realist, the Blue Period, the Rose Period, African, Cubism, Surrealism, Neoclassicism, and later work. Picasso used each of these distinct approaches to explore aesthetics, figurative subjects, emotions, and reality. He is considered to be one of the most influential figures of modern art.
«Плачущая женщина», Пикассо
Год написания: 1937Размер: 60,8 × 50 смМестонахождение: Современная галерея Тейт, Лондон, Великобритания
Вариант 1 — Кратко
7 предложений/ 107 слов
Портрет «Плачущая женщина» стал одной из многих картин Пабло Пикассо, посвящённых теме страдания. Сюжеты этих полотен были навеяны трагическими событиями, связанными с бомбардировкой Герники, случившейся во время Гражданской войны в Испании.
На полотне изображено лицо плачущей женщины, прижимающей к щекам носовой платок. Картина выполнена в технике аналитического кубизма, поэтому зритель словно бы одновременно смотрит на героиню с разных ракурсов. В результате её лицо с искривлёнными страданием губами и дрожащими зубами словно бы рассыпается на части.
Моделью для создания картины выступила французская художника Дора Маар, бывшая музой Пикассо. На портрете она изображена в красной шляпке с синей брошью, распущенными тёмными волосами до плеч и изумрудными серьгами в ушах.
Вариант 2 — Подробно
13 предложений/ 223 слова
Картина «Плачущая женщина» стала одной из многочисленных работ Пабло Пикассо, посвящённых теме страдания. Серия портретов плачущих женщин была выполнена художником под впечатлением от трагических событий, произошедших в городе Гернике, подвергшемся бомбардировке во время Гражданской войны в Испании.
На полотне героиня подносит к своему лицу платок, стремясь остановить потоки струящихся из глаз слёз. Губы женщины, искривляясь в гримасе страдания, оголяют дрожащие зубы.
Портрет написан Пикассо в технике аналитического кубизма, для которой характерно изображение предметов одновременно с разных ракурсов. Так зритель как будто бы смотрит на лицо женщины сразу с нескольких сторон. В результате оно словно рассыпается на части, что придаёт глубину образу разбитого, раздавленного страданием человека.
Особого внимания заслуживают и оттенки картины. Верхняя часть лица женщины и её рука выполнены в кричащей жёлто-зелёной цветовой гамме, в то время как скулы и губы героини, по которым струятся потоки слёз, выглядят совершенно лишёнными цвета, потому что, когда человек горюет, из его мира уходят все краски.
На голове у героини надета красная шляпка с крупной синей брошью в виде цветка. В ушах виднеются изумрудные серьги, а густые тёмные волосы пышной волной струятся по плечам. Это то немногое, что в данный момент объединяет поглощённую страданием женщину с реальным миром и заставляет зрителя вспомнить о том, что у работы есть прототип. Моделью для этого и других портретов из данной серии живописца выступила муза Пикассо — французская художница Дора Маар.
см. также:Все сочинения-описания картин
Описание
На картине изображена женщина, смотрящая в зеркало, в знакомом, но контрастирующем зеркальном отражении, смотрящей на нее. ей. В то время как женщина раскрашена в более яркие цвета и демонстрирует более красивое лицо, фигура в зеркале более темная и более гротескная. Вдобавок к этой двойственности образов, лица женщины и ее отражения раздваиваются в разные цвета, что предполагает двойственность природы как внутри девушки, так и ее отраженного образа.
Картина имеет очень красочную палитру, в которой ярко-розовый, желтый и зеленый цвета контрастируют с яркими красными и темно-черными. Кожа и лицо девушки изящно красивы по сравнению с остальной частью картины и не похожи на многие другие кубистские лица Пикассо того периода. Напротив, отраженное лицо гораздо более гротескно и темного цвета, а черты лица гораздо менее красивы в традиционном стиле.
Inspiration Source of the Blue Room
| The Boulevard Montmartre at Night (1897) by Camille Pissarro |
During the years Picasso passed his time in Paris and worked in late 1900, his art was affected by impressionist and post impressionist artists whereby the World Exhibition (1900 Paris Exposition). Contrary to the melancholy days he passed in Barcelona, when he arrived at Montmartre Paris again in 1901, he utilized the entertainment opportunities of the Boulevard Montmartre at night, to grow his imagination. With the influence of impressionist and post impressionist paintings that he observed on the display of World’s Fair, he was impacted with these art movements and the seeds of The Blue Room had been spread.
| Boulevard de Clichy (1881-1973) by Pablo Picasso |
Moreover, influences of Edgar Degas and Henri de Toulouse-Lautrec, cannot be denied for The Blue Room. Despite the fact that art styles and careers of both artists, had pass through the Impressionism, Lautrec is assumed as one of the fathers of Post Impressionism which has risen as a reaction to the Impressionism in France, while Degas had claimed that he was a realist contrary to the art historians. One of the famous streets of Paris, Boulevard de Clichy is home to Picasso’s studio which is settled in a building. As a famous street in Paris, Boulevard de Clichy is extended between Rue des Martyrs and Place de Clichy, whose constraction has been totally completed in 1868. Besides Picasso’s art studio, with its houses and cafes including unique historic fabric, the street is counted as a tourist attraction point within Paris.
| May Milton (1895)by Henri de Toulouse-Lautrec |
This blue room Picasso worked within a small studio apartment, is said to be first art studio of Pablo Picasso acquired in Paris and he availed himself of its internal view as a background while painting the bathing woman in The Blue Room. The poster May Milton (1895) by Lautrec was on the wall in the painting with the intent of a reverence to the artist. By the presence of this poster in the painting, Picasso showed his intense respect to Lautrec and gave out one of his inspiration sources.
Ownership controversy
Picasso intended for the painting to be a gift to the people of Spain, but its ownership has at times been the subject of disagreement. The main reason for this is that in 1937 the Spanish Republic gave Picasso 150,000 French francs to help pay for some of his expenses in creating Guernica (roughly $7,500 or in today’s dollars, $135,000).
It’s unclear whether Picasso considered Guernica “sold” to the Spanish government, although sources close to the artist say he did NOT consider it a sale. The Spanish government, on the other hand, says that they either acquired it or commissioned it in 1937.
Whoever the owner was at the time, Picasso himself chose to display Guernica at the World’s Fair in Paris in 1937, as well as various exhibits around the world before entrusting it to the Museum of Modern Art from 1939 until 1981 (he asked that MoMA keep the painting until Spain was a stable democracy). Accordingly, in 1981 Guernica returned to Spain through an agreement with Picasso’s heirs, MoMA, and the Spanish government.
История создания картины
Изначально великий мастер хотел назвать полотно «Философский бордель». Идея о создании работы пришла к нему именно в пикантном заведении. Талантливый художник находился в поиске вдохновения, его одолевали внутренние терзания, сомнения. Он страстно любил женщину, но со временем сильные чувства стали угасать. Пабло Пикассо отправился в бордель, чтобы узнать истинную причину своего подавленного состояния. Сюжет картины переносит зрителей именно в аморальное заведение.
В публичном доме девицы легкого поведения готовы были исполнить любое желание художника. Несмотря на изящные позы и роскошные формы, великий мастер видел перед собой лишь безликие геометрические очертания. Тела выглядели безжизненно. П. Пикассо боготворил ту женщину, сумевшую украсть его сердце. Художник смотрел не на внешний облик жриц любви
Ему важно было заглянуть в самую душу. Мастер осознал, что у девиц легкого поведения несчастные и трагические судьбы
Поэтому Пабло Пикассо скрыл их лица за пугающими масками.
Художник лишь спустя 30 лет смог представить свою работу широкому кругу зрителей. Шокирующая революционная картина «Пикассо авиньонские девицы» вызвала неоднозначную реакцию среди коллег мастера. Были и восторженные отзывы. Многие отмечали необычность, которая граничила с вульгарностью. Часть коллег отнеслась с пренебрежением. Но были и те, кто не скрывал отвращения и даже проклятий.
Pablo Picasso and the Love for Sculpture
At some of the crucial moments of his long lasting career, Picasso turned from two-dimensional experiments in order to explore the relationship between the space and the object and to use the gained knowledge to push the borders of the traditional understanding of what art is. His three-dimensional production was for some even seen as the starting point for the major ideas of the Cubism movement. The famous bronze head portrait of Fernande Olivier, simply titled Head of a Woman, with its suggestion of various perspectives, and strong volume of mass is seen as influential for the shift in Picasso’s approach to the painting and his major ideas about cubism style2]. Early on Picasso turned away from the traditional art of modeling favoring the idea of assemblage and construction.
This is evident in his famous work Guitar, a three-dimensional object made out of strings, cardboard, and paper. Showcasing his interest for space and found materials, Picasso’s approach is seen as influential for the understanding of the history of junk art, and the combines of the famous American painter Robert Rauschenberg. In a similar way that Picasso approached the incorporation of everyday objects in his collages, his sculpture showcases the rule that anything goes and can be used and the breaking from the traditional materials and definition of the medium. The transformation of the everyday into art is of course at the base of the understanding of the Duchamp’s readymades yet in Picasso’s production we witness a greater respect for the resources, the found objects, and the playful game of associations. This is evident in the famous work Bull’s Head, where Picasso employed the bicycle seat and handles to form the piece. With the exception of cast bronze, that he seemed not to care so much for, Picasso didn’t find a material he could not control or use.
Pablo Picasso — Man with a Lamb, 1943-44. via Creative Commons
Analysis of Guernica
Guernica’s primary visual impact comes from its collection of maimed and dying figures, rendered in stark black, white, and gray on a huge canvas. We already know about the event that led Picasso to create this painting (the bombing of Guernica) but he mixed in a lot of symbolism as well, conveying deeper meaning for both himself and the Spanish people.
For our in-depth analysis of Guernica, let’s break the painting down into three parts: color and style, symbols, and human figures.
Color and style
When viewed in person, the entire mural-sized painting hits you all at once, with too many visuals to process. The closer you get to it, the more it engulfs you in the monstrosities of war.
The center of the painting especially is a jumble of angular shapes, cutting across each other with violent energy. Guernica’s composition is that of a central triangle of conflict, flanked on the left and right sides by more personal horrors.
The detail above shows a mother weeping for her dead child on the left. On the right, a figure is engulfed in the flames of a burning building (even more chilling for its dispassionate white and black hues).
Guernica
In one spot, a peaked roof is turned on its side. There a building burns. And all around, empty doorways and windows gape like missing teeth and empty eye socket in the burned-out skull of a city.
While the figures and symbols are a commentary on war in general, and the setting of this painting perfectly represents the town of Guernica, blasted into rubble by the bombs of the Luftwaffe.
Symbols
Placed centrally in the painting, Picasso painted a rearing horse with rolling eyes and distended teeth—its face is so anguished, you can almost hear it scream and you even might miss the spear piercing it from back to front. On the left, a bull seems to guard the mother and child, or perhaps looms over them like the shadow of the war, while in the distant background, barely visible, a bird shrieks at the sky.
Even more telling is the electric bulb casting a harsh light from above, in sharp contrast to the hand-held oil lamp. Picasso placed those two elements right next to each other for a reason:
In a nutshell, he’s showing the harsh reality of progress—for all the good that it brings (electricity, automobiles. . . planes) it also brings death and destruction.
The human element
Like the dying horse, the death of the child in its mother’s arms symbolizes the suffering of the innocent. And everywhere else in this painting we simply see the atrocities of war. Limbs are huge, swollen, and wounded. Mouths gape in soundless screams, eyes are wide in terror, brows are furrowed in anguish.
A single warrior lies broken and dismembered at the base of the painting, trampled by the death throes of the horse above him. His arm clutches a broken sword, separated from his body. In Guernica we find no solace in humanity—all is death and destruction.
Picasso painted Guernica over the course of just 35 days, a stunning achievement for such a large work, especially one that has made such a mark in history.
Девочка на шаре
«Девочка на шаре», написанная в 1905 году, одна из самых легендарных картин Пикассо относится к началу розового периода творчества художника, совпадающего с его переездом в Париж. В работы мастера приходят новые оттенки: светло-розовые, красные, серовато-жемчужные, воздушные, что отличает новый период от предыдущего (голубого). Настроение также меняется: если раньше темы выбирались печальные, проблемные, то теперь появляются простые мотивы радости, восторга от жизни. Картина «Девочка на шаре» построена на контрастах: легкость, женственность, гибкость, грация акробатки на шаре против устойчивости, твердости, мужественности атлета на кубе. Оба артиста противопоставляются заднему фону: девочка в любой момент сойдет с шара или переместится на нем дальше, в то время, как печальный пейзаж с одинокой лошадью не изменится еще очень долго, а, может быть, совсем никогда.
The Blue Room Value and Sizes
| Nude, Green Leaves and Bust (1932)by Pablo Picasso |
The Blue Room (1901) has the exact dimensions of 50.4825 x 61.595 cm (19.875 x 24.25 in.) according to The Phillips Collection. The Blue Room is accepted as priceless like other Blue Period paintings Picasso created. The exact values of these paintings, which were acquired by famous museums and collections, are generally unpredictable unless the owners tend to sell them in an auction. A best guess can be derived about The Blue Room from other Picasso Paintings, which have been already sold. Picasso’s Rose Period painting, Boy with a Pipe (1905) is sold for $104.2 million in 2004. This was the record prize for a Picasso Painting sold ever until Nude, Green Leaves and Bust (1932) is sold in 2010. Artist’s cubist painting, which depicts the Picasso’s lover Marie-Thérèse Walter, found its buyer in Christie’s auction and brought $106.5 million to its former owners Los Angeles art collectors Sidney and Frances Brody.
 |
| Women of Algiers (1955) by Pablo Picasso |
In 2013, a triptych named Three Studies of Lucian Freud (1969) by Francis Bacon beat the record by being most expensive painting ever sold in an auction when inflation is not considered. Although the triptych costed $142.4 million as a world record, one of the Picasso’s later cubist works Women of Algiers (1955, Version ‘O’) bests the record prize in 2015 and sold for $179.3 million dollars. However, biddings coming from art collectors in this kind of auctions held for special artworks, are not likely predictable, best guess about the prize of The Blue Room is that the painting should cost more than $100 million due to its separative features like being the first Picasso work exhibited and having older sketches beneath its surface.
Исторический
Пабло Пикассо много лет женат на танцовщице Ольге Хохловой ; однако супруги нездоровы, и художник живет вольной. С последней четверти 1925 года в его картине, которая берет стиль, отличный от аналитического кубизма , появляется новая модель, молодая блондинка с пышными формами лица. Точный характер отношений между Мари-Терезой Вальтер и Пикассо с 1925 по 1927 год неизвестен, и молодая женщина, родившаяся в 1909 году, поэтому несовершеннолетняя, вероятно, всего лишь модель, искусство которой художник поддерживает, и его желания. Благодаря заявлениям заинтересованных сторон и выводам искусствоведов доказанное начало романтических отношений, несомненно, датируетсяЯнварь 1927 г..
Бюсту молодой девушки как минимум предшествует очень удачный подготовительный рисунок, датированный художником с20 марта 1926 г., что указывает на то, что на тот момент картина неизбежно находилась в процессе производства; Пикассо рисует вскоре после учебы в рисовании.
Интерпретации
Пабло Пикассо представляет другой взгляд на своего предмета: более яркая фигура стоит перед зеркалом, которое отражает более темное зеркальное отражение. В то время как лицо самой женщины разделено на желтые и более натуралистичные цвета, они контрастируют с нанесением макияжа или натуральной кожей, предлагая двойную природу красоты.
Отражение в зеркале искажен и обесцвечен, что, возможно, свидетельствует о неприязни женщины к себе. Здесь использованы темные цвета, из-за которых она выглядит очень старой. Вместо счастья, отраженного в реальной девушке, отраженная девушка кажется обезумевшей.
Женщина, счастливо беременная, обеспокоена тем, что она больше не может быть привлекательной.
Источник
О работе:
Это пронзительное полотно стало поворотной точкой в истории искусства XX века. Работая над картиной, Пикассо преднамеренно стремился опровергнуть традиционное представление о том, что художник должен изображать на своей картине только то, что он видит в одном определённом ракурсе.
Пикассо чувствовал себя как дома в мире проституток и борделей, вдохновивших его на создание большинства его работ. Изображённые на картине «девушки» на самом деле были проститутками из барселонского публичного дома. Вначале все пять обнажённых женских фигур Пикассо написал в «иберийском» стиле, характерном для старинной испанской живописи. Однако летом 1907 года Пикассо попал под очарование искусства Африки и Океании.
Художник сгущает коричневые тона на стоявшей слева фигуре, а лица двух стоящих справа женщин превращает в пугающие маски. Фигура присевшей женщины искажена и показана одновременно спереди и сзади, что было для того времени крайне революционной идеей. В итоге картина объединяет в себе несколько точек взгляда, и зритель видит то, что мог видеть художник, перемещаясь вокруг натурщиц.
Скорее всего свой первый сексуальный опыт Пабло Пикассо приобрёл в возрасте 14 лет в одном из многочисленных публичных домов Барселоны. На протяжении всей жизни секс оставался одной из главных тем в творчестве художника. В начале своей карьеры Пикассо особенно часто изображал одновременно отвратительный и притягательный мир общественного «дна», мир, который так хорошо был ему знаком. Для Пикассо проститутки были не только и не столько представительницами «дна» и исчадиями ада
На многих картинах (особенно написанных во время «голубого периода»), он заострял внимание на печальных сторонах жизни проституток
После смерти Пикассо были обнаружены пятнадцать ранее неизвестных альбомов, в которых запечатлелась вся работа, проведённая им в ходе подготовки к созданию «Авиньонских девиц». Выяснилось, что художник сделал сотни рисунков и набросков, прежде чем остановился на полностью устроившей его композиции. По признанию самого Пикассо, он написал картину «в два приёма». Первый этап продолжался с марта по май 1907 года, когда Пикассо экспериментировал с композицией и деталями картины. Тогда он предполагал изобразить шесть или семь персонажей, включая студента-медика и матроса. Используя различную технику — графитовый карандаш, уголь, пастель, акварель, гуашь и индийскую тушь, — художник заполнял набросками страницу за страницей. После месячного перерыва Пикассо возвращается к «Девицам». Именно тогда он расстаётся с мужскими фигурами, оставляя пять женских. Второй, заключительный, этап запечатлён лишь в нескольких набросках — похоже, к тому времени Пикассо уже окончательно решил для себя все композиционные задачи.