Топ-5 самых известных натюрмортов в истории искусства

Известные картины

Законченные картины Жоржа Брака (исследователи его творчества говорят о 243 полотнах) находятся в музеях и частных коллекциях по всему миру. Для того, чтобы охватить и понять ход развития таланта художника, можно выделить следующий показательный ряд работ:

«Гавань в Ла-Сьота» (1906);
«Серая погода в бухте» (1907);
«Дома в Эстаке» (1908);
«Гитара и блюдо с фруктами» (1909);
«Мужчина с гитарой» (1911);
«Стеклянный графин и газета» (1914);
«Камин» (1925);
«Розовая салфетка» (1932);
«Двойная фигура» (1937);
«Натюрморт с черепом» (1943);
«Натюрморт с цветами» (1945);
«Птицы» (с 1953 года);
«Велосипед» (1961).

В каждой картине, лаконичной или наполненной, яркой или мрачной, мысль и эмоция человека и художника Жоржа Брака, его любовь к свободе и искусству.

Гавань в Ла-Сьота

Серая погода в бухте

Дома в Эстаке

Гитара и блюдо с фруктами

Мужчина с гитарой

Стеклянный графин и газета Жорж Брак

Литература

Einstein C. Georges Braque. Paris: Éditions des Chroniques du jour; New York City: E. Weyhe, 1934
Hofmann W. Georges Braque: his graphic work. New York: H.N. Abrams, 1961
Cogniat R. Georges Braque. New York: H.N. Abrams, 1980
Georges Braque, the Late Paintings, 1940—1963. Washington: Phillips Collection, 1982.
Zurcher B. Georges Braque, life and work. New York: Rizzoli, 1988
Clement R.T. Georges Braque: a bio-bibliography.Westport: Greenwood Press, 1994.
Danchev A. Georges Braque: a life. New York: Arcade Pub., 2005
Georges Braque et le paysage. Marseille: Musée Cantini; Paris: Hazan, 2006

Избранные произведения[ | код]

«Натюрморт с цветами и золотым бокалом», 1611, Прадо, Мадрид

«Натюрморт», 1608, Амстердам
«Натюрморт с цветами и фруктами», 1608, Музей Ашмола, Оксфорд, Великобритания
«Натюрморт с цветами и золотым бокалом», 1611, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с изюмом», 1611, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с рыбой», 1611, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с цветами», 1612, прив. сборник
«Цветы в стеклянной вазе», 1615, Пассадена, США
«Натюрморт с рыбой, устрицами и креветками», Государственный музей (Амстердам)
«Натюрморт с венецианским стеклом, стеклянным бокалом рёмер и свечой», Гаага.
«Завтрак», Полтавский художественный музей им. Ярошенко, Полтава, Украина
«Натюрморт с сырами, артишоком и вишнями», Лос-Анджелес, США
Автопортрет в картине «Манота мартнот»
«Натюрморт с сырами и выпечкой», Амстердам
«Натюрморт с цветами», Кунстхалле, Карлсруэ, Германия
«Суета сует», 1640
«Натюрморт с оливками», 1640, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с котом и рыбами», Вашингтон, США

«Натюрморт с сырами, артишоком и вишнями», Лос-Анджелес, США

Живопись

Ранние импрессионистские работы не получили широкого признания, и Брак с подачи коллег-живописцев начал творить в стиле фовизм. В 1907 году картины выставили в Салоне Независимых, и положительные отзывы друзей и критиков вселили в художника оптимизм.

К этому же течению примкнули парижские друзья молодого человека, которые совершенно по-новому стали использовать чистые цвета. Главным на полотнах фовистов было контурирование предметов и пятен, за счет чего создавалась плотность и подчеркивалась красота.

Жорж Брак, «Скрипка и палитра» Правда, после ретроспективного показа картин умершего Поля Сезанна живописцы нового поколения решили преобразовать собственный стиль. Брак стал использовать геометрические формы в натюрмортах и пейзажах, и любимыми его оттенками стали охра и ваниль.

В конце 1900-х годов под влиянием Пабло Пикассо художник стал создавать картины, охарактеризованные как протокубизм. Хорошо знакомые повседневные предметы преображались в анимированные видения и в причудливо измененной форме обретали новую жизнь.

Жорж Брак, «Дома в Эстаке» В 1910-х годах, тесно сотрудничая с Пикассо, Жорж написал несколько портретов современников и дам. Странные кубики и ромбы, оттененные угольными контурами, казалось, расставляли части тела по несвойственным им местам.

Несмотря на такое первое впечатление, кубизм быстро распространился и стал самым популярным стилем к середине 1910-х годов. К сожалению, карьера Брака прервалось из-за мирового вооруженного конфликта, и вернуться к мольберту после сражений стоило великих трудов.

Расцвет творчества французского авангардиста пришелся на послевоенное время и ознаменовался появлением самых выдающихся работ. К ним относились «Синий аквариум», «Лимон» и «Лодки у берега», а также «Салон», «Женщина у зеркала» и «Коричневый натюрморт».

В последние годы жизни живописец продолжал экспериментировать с жанрами и делал витражи для церкви и декорации для сцен. В 1934 году вышла монография о Браке, которую написал и отредактировал немецкий прозаик Карл Эйнштейн.

В 1948 году, побывав в разных странах мира, Жорж участвовал в Венецианской биеннале и получил Гран-при. Потом художник увлекся скульптурой и представил работы на персональных выставках, которые прошли в Лондоне, Риме, Токио и Цинциннати.

Внешность, частная жизнь и личностные качества

Жорж Брак был высоким, атлетически сложенным (когда-то занимался боксом), при этом утончённым рафинированным французом. В 1912 году женился на любимой и единственной на всю жизнь женщине. Марсель была религиозной, интеллигентной и образованной, она стала верной спутницей художника «в горе и радости». Проводив мужа в 1914 году на войну, через год заняла место сиделки у его постели, когда он долгие месяцы восстанавливался после ранения (перенёс временную слепоту и трепанацию черепа).

Уравновешенность, добросердечие и рассудительность крайне редко покидали Брака, когда умалчивать своё отношение было невозможно: он порвал связь с художниками, сотрудничавшими с немецкими оккупантами во Вторую мировую войну, да однажды ударил своего бывшего финансиста-дилера за подлость. Был скромен, избегал публичности: отправив супругу в музей, сидел в стороне и ждал сообщения от неё, есть ли там стоящие работы. По приезду в Лондон мистер Джордж Брак шёл не в Национальную галерею, а по магазинам: он любил качественную обувь, красивую одежду и комфортные автомобили.

Подсолнухи в желтой вазе

Импрессионисты тоже экспериментировали с vanitas и его мрачными смыслами — стоит вспомнить хоть натюрморты с черепами, которые рисовал Сезанн. Но в творчестве ван Гога (Vincent Willem van Gogh), несмотря на весь трагизм жизненных обстоятельств художника, доминируют светлые жизнерадостные оттенки и предметы. Художник часто писал натюрморты, но визитная карточка мастера — знаменитые «Подсолнухи» в золотистой вазе.

Композиция пронизана светом и словно сама излучает его — яркий, солнечный, полный радости и ожидания чуда. Ван Гог обожал подсолнухи — для него эти цветы символичны и были исполнены глубокого смысла. В общей сложности он рисовал их около десятка раз — шедевры вошли в два цикла работ. Самый знаменитый букет подсолнухов написан в Арле, в 1888 году.

Источники

https://krasivodel.ru/articles/kartiny-izvestnyh-hudozhnikov-natyurmorty.html
https://Hudognik.net/artists/Still_life/
https://art-dot.ru/natyurmort/
https://www.culture.ru/materials/120418/natyurmorty-risuem-to-chto-pod-rukoi
https://www.wm-painting.ru/Ob_iskusstve/p2_articleid/1603
https://www.gastronom.ru/text/samye-izvestnye-kartiny-c-edoj-1012066
https://zen.yandex.ru/media/tochka_art/eda-kak-na-kartinke-top10-znamenityh-natiurmortov-i-receptov-k-nim-5ed0c6cc9217f57f7c9a8a42
https://veryimportantlot.com/ru/news/obchestvo-i-lyudi/top-5-samyx-prekrasnyx-i-znamenityx-natyurmortov

Начало

Родился 13 мая 1882 года в прославленном на весь мир художниками-импрессионистами пригороде Парижа Аржантёй – во второй половине XIX века город и его живописные окрестности не раз были запечатлены Мане, Ренуаром, Моне и другими виртуозами кисти. Дед и отец Жоржа владели мастерской, выполняющей заказы горожан от простого малярного дела до декорирования интерьеров. Так что с красками и кистями мальчик познакомился в раннем детстве. В 8-летнем возрасте семья переехала в портовый Гавр, здесь Жорж продолжил обучение в школе декораторов – предполагалось, что он продолжит семейное дело.

Париж

В 1900 году Брак переезжает в Париж, здесь продолжает учёбу, подтверждает свои профессиональные умения и получает наконец-то сертификат декоратора. В эти же годы он студент Технической школы – молодому пытливому уму всё интересно. Увлечённое и прогрессивное окружение уже дипломированного декоратора-художника Брака способствует тому, что он всё же утверждается в мысли связать жизнь с живописью. В 1902-1904 годах он учится в частной художественной школе Фернана Умбера на Монмартре, где знакомится с импрессионизмом, сближается с некоторыми коллегами, находит друзей. Особенно Жорж стал близок с художницей Мари Лорансен (1883-1956), с которой были недолгие романтические отношения, и Франсисом Пикабиа (1879-1953), известным художником-эксцентриком.

«Любительница абсента»

Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.

Картина «Любительница абсента» – портрет души Пикассо. Художник постоянно преодолевал различные испытания: нищету, отсутствие заказов, смерть близкого друга. Именно поэтому тема одиночества и опустошенности отражена во многих его картинах. На время написания «Любительницы абсента» у художника даже не было денег на холст. Для этого Пикассо взял старую работу, закрасил ее и воспользовался обратной стороной. Цвета получились приглушенными, а героиня – зажатой и усмиренной тоской. Она настолько погружена в себя, что безразлична к происходящему. Абсент на столе – это портал в мир забвения, где нет тревог, болезней и страхов.

Тональный натюрморт. Питер Клас и Виллем Клас Хеда

Для современников были актуальны и понятны символы, которыми насыщен традиционный голландский натюрморт. Картины по содержанию были подобны многостраничным книгам и особенно ценились за это. Но существует понятие, в не меньшей степени впечатляющее и современных знатоков, и любителей живописи. Его называют «тональный натюрморт», и главное в нем – высочайшее техническое мастерство, удивительно изысканный колорит, потрясающее мастерство в передаче тонких нюансов освещения.

Этим качествам всемерно соответствуют полотна двух ведущих мастеров, картины которых относят к лучшим образцам тонального натюрморта: Питера Класа и Виллема Клас Хеда. Они выбирали композиции из небольшого количества предметов, лишенных ярких красок и особой декоративности, что не мешало им создавать удивительные по красоте и выразительности вещи, ценность которых не уменьшается со временем.

Эволюция стиля, кубизм, творческий союз с Пикассо

Но творчество – процесс живой и гибкий, под влиянием разных факторов, в том числе впечатлений, меняется и эволюционирует. Так, прошедшая в то же время выставка Поля Сезанна (1839-1906), яркого постимпрессиониста, внесла некоторые коррективы в стиль Брака – в натюрмортах и пейзажах появилась явная геометрия, оттенки ванили и охры стали доминировать.

Выставка Пабло Пикассо (1881-1973) в том же 1907 году ещё мощнее повлияла на художественную манеру ищущего Брака. Позже, в течение нескольких лет, они вместе, сдержанный француз и энергичный испанец, работали над теорией только зарождающегося кубизма и вошли в историю искусства как его основатели. Этот союз двух личностей сам Брак упоминал как братство «двух альпинистов в одной связке».

Известна история возникновения самого термина «кубизм»: взглянув на работу Брака, Матисс озвучил свою ассоциацию словом «кубики», а художественный критик Воксель закончил мысль, произнеся слово «кубизм».

Теперь к прежним наработкам и пристрастиям Брака присоединились световые эффекты и магия перспективы. Особый интерес у живописца вызывает сущность зрительных иллюзий и механизм их возникновения.

Картина теперь не изображение предмета как его отражение, а новая, фантазийная реальность. На чистом холсте в виде коллажа свободно размещаются яркие цветные плоскости, прорисовываются реалистичные контуры предметов, музыкальных инструментов и одушевлённой натуры. Это было для 1910-х эффектно, свежо и современно.

Ресурсы интернета

Brief biography of Clara Peeters
«Peeters, Clara» in Gaze, Delia, ed. Dictionary of Women Artists. 2 vols. Chicago: Fitzroy Dearborn, 1997.
Example of Clara’s work
Stilleven met een Venetiaans glas, een roemer en een brandende kandelaar, 1607, Kunsthandel Hoogsteder & Hoogsteder, Den Haag , Nederland
Stilleven met vissen, oesters en garnalen, 1607, Rijksmuseum Amsterdam, Amsterdam, Nederland
Stilleven met fruit en bloemen, ten vroegste 1608/9, The Ashmolean Museum of Art and Archaeology, Oxford , Verenigd Koninkrijk
Stilleven met vis, 1611, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met rozijnen, 1611, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met bloemen en bokalen, 1612, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Karlsruhe (stad)|Karlsruhe, Duitsland
Stilleven met bloemen, 1612, privécollectie
Bloemen in een glazen vaas, 1615, Pasadena. R. Stanton Avery Collection
Stilleven met kazen, artisjok en kerzen (недоступная ссылка), ca. 1625, Los Angeles County Museum of Art (LACMA), Los Angeles, Verenigde Staten
Vanitas, 1640, privécollectie
Stilleven met olijven, 1640, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met kat en vis, National Museum of Women in the Arts, Washington D.C., Verenigde Staten

Цветочный натюрморт

Вплоть до XVIII века букет цветов, как правило, символизировал бренность, ведь земные радости так же преходящи, как красота цветка. Символика растений особенно сложна и неоднозначна, и уловить смысл помогали популярные в Европе XVI–XVII веков книги эмблем, где аллегорические иллюстрации и девизы сопровождались пояснительными текстами. Цветочные композиции было непросто интерпретировать: один и тот же цветок имел множество значений, иногда прямо противоположных. Например, нарцисс указывал на самовлюбленность и одновременно считался символом Богоматери. В натюрмортах, как правило, сохранялись оба значения образа, и зритель был волен выбрать один из двух смыслов или совместить их.

Цветочные композиции часто дополнялись плодами, мелкими предметами, изображениями животных. Эти образы выражали основную мысль произведения, подчеркивая мотив быстротечности, увядания, греховности всего земного и нетленности добродетели.

Ян Давидс де Хем. Цветы в вазе. Между 1606 и 1684 годом

На картине Яна Давидса де Хема Ян Давидс де Хем (1606–1684) — голландский художник, известный своими цветочными натюрмортами. у основания вазы художник изобразил символы бренности: увядшие и сломанные цветы, осыпавшиеся лепестки и засохшие стручки гороха. Вот улитка — она ассоциируется с душой грешника Среди других таких отрицательных образов — рептилии и земноводные (ящерицы, лягушки), а также гусеницы, мыши, мухи и другая живность, ползающая по земле или живущая в грязи.. В центре букета мы видим символы скромности и чистоты: полевые цветы, фиалки и незабудки. Их окружают тюльпаны, символизирующие увядающую красоту и бессмысленное расточительство (разведение тюльпанов считалось в Голландии одним из самых суетных занятий и к тому же недешевым); пышные розы и маки, напоминающие о недолговечности жизни. Венчают композицию два крупных цветка, имеющие положительное значение. Синий ирис олицетворяет отпущение грехов и указывает на возможность спасения через добродетель. Красный мак, который традиционно ассоциировался со сном и смертью, из-за своего местоположения в букете сменил трактовку: здесь он обозначает искупительную жертву Христа Еще в Средневековье считалось, что цветы мака выросли на земле, орошенной кровью Христа.. Другие символы спасения — это хлебные колоски, а бабочка, сидящая на стебле, олицетворяет бессмертную душу.

Ян Бауман. Цветы, фрукты и обезьяна. Первая половина XVII века

Картина Яна Баумана Ян (Жан-Жак) Бауман (1601–1653) — живописец, мастер натюрморта. Жил и работал в Германии и Нидерландах. «Цветы, фрукты и обезьяна» — хороший пример смысловой многослойности и неоднозначности натюрморта и предметов на нем. На первый взгляд, сочетание растений и животных кажется случайным. На самом деле этот натюрморт тоже напоминает о быстротечности жизни и греховности земного существования. Каждый изображенный предмет транслирует определенную идею: улитка и ящерица в данном случае указывают на смертность всего земного; тюльпан, лежащий возле миски с плодами, символизирует быстрое увядание; раковины, разбросанные на столе, намекают на неразумную трату денег В Голландии XVII века было очень популярно коллекционирование разного рода «диковинок», в том числе раковин.; а обезьяна с персиком указывает на первородный грех и порочность. С другой стороны, порхающая бабочка и плоды: гроздья винограда, яблоки, персики и груши — говорят о бессмертии души и искупительной жертве Христа. На другом, иносказательном уровне представленные на картине фрукты, плоды, цветы и животные обозначают четыре стихии: раковины и улитки — воду; бабочка — воздух; плоды и цветы — землю; обезьяна — огонь.