Анализ картины василия кандинского композиция vii

Спорный

Этюд для композиции VII , акварель, 1913 год (датирован «1910 годом»), Миннесота , Париж.

Наконец, что касается Композиции VII , отметим споры вокруг Первой абстрактной акварели , подписанной и датированной «1910» Кандинским. Филипп Серс резюмировал эти дебаты и оставшуюся неопределенность. Сам художник, заявив, что его первая абстрактная работа датируется 1911 годом, несколько историков (в частности, Клаус Бриш — с 1955 года — и Кеннет Линдси) пришли к выводу, что эта акварель датирована задним числом. По их словам, это было с 1913 года, и они сделали набросок Композиции VII . Они опираются, в частности, на стилистические особенности, отмечая, что среди работ Кандинского 1910 года ни одна не имеет такой степени абстракции. Между тем, Филипп Серс считает датой 1910 год, позволив себе свидетельствовать от Нины Кандинской , вдовы художника

Центр Помпиду, который получил работу в дар от Нины Кандинской в ​​1976 году, осторожно датируется 1910 или 1913 годом, хотя текст презентации музея склоняется ко второй дате. Что касается Магдалены Домбровски, она без колебаний датирует его 1913 годом

В своем каталоге она также называет это: Без названия (Этюд для Композиции VII) .

Культурное и историческое значение.

Наконец, «Композиция VII» пользуется огромной известностью благодаря своему культурному и историческому значению. Картина была создана во времена великих художественных экспериментов и инноваций в Европе начала 20-го века. Оно представляет собой важную веху в развитии абстрактного искусства, движения, которое бросило вызов традиционным художественным нормам и открыло двери новым возможностям. Слава «Композиции VII» выходит за пределы мира искусства, став символом авангарда и свидетельством силы человеческого творчества и воображения.

В заключение, «Композиция VII» Василия Кандинского получила широкую известность благодаря своему революционному подходу к абстрактному искусству, мощному эмоциональному выражению, сложности и символизму, влиятельной роли в теории искусства, а также своему культурному и историческому значению. Эта культовая картина продолжает вдохновлять, бросать вызов и очаровывать зрителей, закрепляя за собой место одного из самых знаменитых произведений в истории искусства.

Полезные ссылки:https://www.wassilykandinsky.nethttps://www.moma.org/artist/wassily-kandinskyhttps://www.artsy.net/artist/wassily-kandinskyhttps://www.britannica.com/biography/Wassily-Kandinskyhttps://www.tate.org.uk/art/artists/wassily-kandinsky-1389

Пара слов о жизни художника

С детства Василий Васильевич Кандинский утверждал, что “каждый цвет живет своей таинственной жизнью”. Неудивительно, ведь художник был синестетиком. Он различал не только вариации желтого, синего и красного. Каждый цвет Василий буквально слышал, чувствовал его запах. Уже в ранних работах преподаватели художественной школы отмечали необычные цветовые решения Кандинского.

Как воспринимали Кандинского современники

К творчеству Василия всегда относились неоднозначно. С одними из своих русских коллег-художников Кандинский имел дружественные отношения, а другие за спиной то и дело подшучивали. Тем не менее, насмешки не помешали ему занять пост вице-президента Российской академии художественных наук и пробиться к партийной элите.

Несмотря на высокое положение Кандинского в постреволюционном обществе, большевики не признавали абстракционизм. Из-за нахлынувшей критики коллег (Пунина, Грабаря, Мельникова и др.), в 1921 году Кандинский переехал из России в Германию. Обстановка там была тоже не самая радужная: в стране росла популярность партий правого толка. Когда к власти пришли нацисты, Василий эмигрировал в Париж.

Artist Abstract: Who Was Wassily Kandinsky?

Wassily Kandinsky was a Russian artist active during the late 19th and early 20th centuries; he was born on December 4 (this is noted as December 16 on the “New Style” or “Gregorian” calendar system), in 1866, and died on December 13, 1944, in Neuilly-sur-Seine in France.

Photograph of Wassily Kandinsky; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons

He was best known for his love and in-depth understanding of colors in art and the deeper spiritual ideas in abstract art. Some of his well-known artworks include Composition IV (1911), Landscape with Red Spots (1913), and Composition VIII (1923).

Formal Analysis: A Brief Compositional Overview

In the Composition VII painting analysis below, you will learn more about the subject matter of Composition VII by Wassily Kandinsky. This composition is furthermore composed by the elements of art, which will also be discussed.

Composition VII (1913) by Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Subject Matter: Visual Description

The Composition VII painting is an abstracted, non-representational world filled with a rainbow of colors and a motley array of lines, shapes, and forms on canvas. Although it appears confusing and like there is no purpose to it, Kandinsky had a driving force moving him to paint, which is also evidenced by his numerous preparatory studies.   

There are also preparatory sketches for this oil on canvas namely the watercolor titled Untitled (Study for Composition VII, Première Abstraction) (1913), which depicts Kandinsky’s characteristic non-representational formations, albeit to a lesser extent compared to the finished work. However, Kandinsky reportedly produced over 30 preparatory sketches for Composition VII.

Color

In the Composition VII painting, Kandinsky utilized a wide range of colors, from primary blues, yellows, and reds to secondary greens, oranges, and purples. However, the artist’s color combinations go beyond these into tertiary colors like the red-orange in the lower right corner. Neutral colors like blacks and whites are also visible amidst the variety of colors.

Texture

The application of the paint and brush in Composition VII by Wassily Kandinsky appears somewhat smooth in its tactile qualities, which is the physical appearance of the paint on the canvas. However, there also appears to be a rougher texture in some areas with the brushstrokes appearing more haphazard in their application. 

Line

There are varieties of lines in Composition VII by Wassily Kandinsky, including all orientations like horizontal, vertical, and diagonal, notice the long diagonally curved line to the left of the composition. There are straight, curved, curly, and zig-zagged lines, including a combination of sizes, from long to short, thick to thin, for example, notice the thick and thin black lines arranged in the central area. 

Shape and Form

Shapes and forms dominate Kandinsky’s Composition VII painting, and just like the variety of lines, there are almost all types of shapes included here. Furthermore, there are organic and geometric shapes and forms that overlap or cut across each other. To mention only a few examples, notice the white ovular shape at the top edge with a blue and red edge around it. Slightly off-center to the right is an open square-like shape in the lower left part of the composition.

Slightly above and to the left of these are several curved vertical lines with shorter horizontal lines criss-crossed over it and intercepting this formation is a long reddish diagonally curved line making its way towards the upper left corner of the composition. The other art elements like color and contrasts of light and dark shading create almost three-dimensional forms, for example, notice the large and seemingly amoebic or organ-like form in the lower right corner or the snake-like form towards the bottom left of the composition.  

Space

In the Composition VII painting, Kandinsky utilizes the entire canvas space with his non-representationalism. There is almost no sense of three-dimensionality, and the composition can appear two-dimensional or flat, however, through the art elements like color and texture an illusion of depth is created.

The Principles of Art at Play

Composition VII, alternatively Composition 7, is a uniquely executed painting where the subject matter intricately links with the elements of art, in fact, the latter becomes the subject matter, but with deeper spiritual meanings that Kandinsky attached to it. As the art elements were discussed individually, these also lead to how the principles of art, otherwise also known as the principle of design, appear.

Composition X (1939) by Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Furthermore, the variety created by the different types of lines created dynamism and movement in the composition. It comes alive, so to say, and the lines dance with the shapes and forms. Although there is an apparent sense of disarray here in the Composition VII painting, the irregularity creates a sense of unity within the composition, where all the elements are cohesive in their contrasts.

Дальнейшее развитие художника: эмиграция, Баухауз, супрематизм

С отъездом – теперь навсегда – В.В.Кандинского из Советской России в Германию в 1921-м году, абстракционизм ждали изменения. Стиль, созданный Кандинским, продолжил существование, однако на него наложили отпечаток следующие факторы:

• работа художника в качестве преподавателя в Высшей школе строительства и художественного конструирования (“Баухауз”) требовала соответствия принципам учебного заведения, главным из которых являлся функционализм, отказ от лишних деталей;
• супрематизм К.С.Малевича как яркое и самобытное явление в русской живописи 20 века расширял свое влияние;
• во Франции к началу 1920-х годов сформировался сюрреализм;
• начало мировой известности В.В.Кандинского, возможно, позволившее художнику отойти от раз и навсегда изобретенных принципов ради новых экспериментов.

Кандинский В. В черном квадрате

В результате этих и других обстоятельств, в немецкий период (1921-1933) творчество Кандинского характеризует появление не предметов, но геометрических форм, в основном типичных для супрематизма – круг, квадрат, треугольник (“Композиция VIII” – 1923, “Черное и фиолетовое” – 1923, прямое апеллирование к Малевичу – “В черном квадрате” – 1923), а также некоторых сюрреалистических сочетаний (“Причудливое” – 1930, “Коричневатое” – 1931). Общая концепция абстракционизма, тем не менее, оказалась живуча и сохранилась.

Геометрия, а также биология

После прихода к власти НСДАП Кандинскому пришлось покинуть Германию ради Франции. В этот период жизни (1933-1944) художник продуктивно работает, однако значительного влияния его труды на культурную жизнь того времени не оказывают. Это связано в первую очередь с развитием сюрреализма, во вторую — со значительным изменением изображаемых Кандинских форм. На картинах угадываются предметы (“Композиция X” – 1939 – воздушный шар, хлопушка, книга, ср. с “Коричневатое”), увлечение биологией способствует появлению очертаний, свойственных клеткам человеческого организма (“Белая линия” – 1936, “Три треугольника” – 1938). При выстраивании композиции все большее значение придается геометрическому планированию. Новая атмосфера, передавамая Кандинским, не находит широкого отклика ни у масс, ни у ценителей. И сейчас, хотя позднее творчество художника представляется не менее важным, исторической ценностью обладают работы именно 1910-х годов, благодаря которым абстракционизм в России и в мире стал одним из распространеннейших стилей живописи.

• Интерес в экономике это кратко

• Способы эмоциональной саморегуляции кратко

• Мидийско персидское царство кратко

• Военные подвиги брежнева кратко

• Признание гражданина безвестно отсутствующим и объявление гражданина умершим кратко

1913

Холст, масло

195.0 × 300.0 см

Комментарии Кандинского:

В картине можно видеть два центра:
1. Слева — нежный,розовый,несколько размытый центр со слабыми, неопределенными линиями,
2. Справа (несколько выше, чем левый) — грубый, красно-синий, в какой-то мере диссонирующий, с резкими, отчасти недобрыми, сильными, очень точными линиями.
Между двумя этими центрами — третий (ближе к левому),который можно распознать тлишь постепенно, но который является главным центром. Здесь розовый и белый вспениваются так, что кажутся лежащими вне плоскости холста либо какой-то иной, идеальной, плоскости. Они, скорее, парят в воздухе, и выглядят так, словно окутаны паром. Подобное отсутствие плоскости и неопределенность расстояний можно наблюдать, например, в русской паровой бане. Человек, стоящий посреди пара, находится не близко и не далеко, он где-то. Положением главного центра — «где-то» — определяется внутреннее звучание всей картины. Я много работал над этой частью, пока не достиг того, что сначала было лишь моим неясным желанием, а затем становилось внутренне все яснее и яснее.
Небольшие формы в этой картине требовали чего-то дающего эффект одновременно очень простой и очень широкий («largo»). Для этого я использовал длинные торжественные линии, которые уже употреблял в « Композиции 4». Я был очень рад увидеть как это, уже раз использованное, средство дает здесь совершенно иной эффект. Эти линии соединяются с жирными поперечными линиями, рассчитано идущими к ним в верхней части картины, и вступают СП последними в прямой конфликт.
Чтобы смягчить слишком драматическое воздействие линий, т.е. скрыть слишком назойливо звучащий драматический элемент (надеть ему намордник), я позволил разыграться в картине целой фуге розовых пятен различных оттенков. Они облачают великое смятение в великое спокойствие и придают всему событию объективность. Это торжественно спокойное настроение, с другой стороны, нарушают разнообразные пятна синего, которые дают внутренне впечатление теплоты. Теплый эффект цвета, по природе своей холодного, усиливает драматический элемент, однако способом опять-таки объективным и возвышенным. Глубокие коричневые формы (особенно слева вверху) вносят уплотненную и абстрактно звучащую ноту, которая напоминает об элементе безнадежности. Зеленый и желтый оживляют это душевное состояние, придавая ему недостающую активность.
Я применял сочетание гладких и шероховатых участков, а также множество других приемов обработки поверхности холста. Поэтому, подойдя к картине ближе, зритель испытывает новые переживания.
Итак, все, в том числе и взаимно противоречащие элементы, уравновесились, так что ни один из них не берет верх над другими, а исходный мотив картины (Потоп) был растворен и перешел ко внутреннему, чисто живописному, самостоятельному и объективному существованию. Не было бы ничего более неверного, чем наклеить на эту картину ярлык первоначального сюжета.
Грандиозная, объективно совершающаяся катастрофа есть в то же время абсолютная и обладающая самостоятельным звучанием горячая хвалебная песнь, подобная гимну нового творения, который следует за катастрофой.

Composition VII (1913) by Wassily Kandinsky in Context

The Composition VII painting analysis below will discuss a brief socio-historical background around when Wassily Kandinsky painted it and what the possible meanings of it are. This will include a formal analysis of the subject matter and how the art elements are arranged.

Contextual Analysis: A Brief Socio-Historical Overview

Wassily Kandinsky was one of the foremost German Expressionists from the sub-group called Der Blaue Reiter, which means “The Blue Rider” in German. The group reportedly formed around 1909 with Kandinsky and Franz Marc at the helm. The artistic style formed from the artists’ desire to express the deeper spiritual and emotional meanings found through the more abstract and nonrepresentational mode of colors, forms, and lines.

Untitled (Study for Composition VII, Première abstraction) (1913) by Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

He perceived the world differently and many report that he may have had the neurological condition known as Chromesthesia, which is also known as sound-to-color synesthesia where the hearing and visual senses overlap. This condition would have undoubtedly influenced Kandinsky’s approach to art making and how he perceived music, which led to his dynamic and colorful abstract vistas on canvas.

Kandinsky’s Composition Series

Kandinsky created several series of paintings for which he became well known, namely his Improvisation, Impression, and Composition series. These were mentioned in what was known as his treatise Concerning the Spiritual in Art (1911). This publication explores the artist’s theories and beliefs around the spiritual aspects of art, but also how he perceived colors and forms and their inherent symbolism and psychological effects on us, the viewers.

Composition VI (1913) by Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

However, three were reportedly destroyed during the bombings and destruction caused during World War II. The seven remaining Compositions depict Kandinsky’s move beyond representational art and into the realms of abstract art. Composition VII, otherwise Composition 7, has often been lauded as one of Kandinsky’s most seminal artworks from this series.