Что такое натюрморт?
Такая живопись выражается в субъективном отношении человека к миру. Это показывает присущее мастеру понимание красоты, которая становится воплощением общественных ценностей и эстетическим идеалом времени. Натюрморт в живописи постепенно трансформировался в отдельный значимый жанр. Этот процесс занял не одну сотню лет, а каждое новое поколение художников понимало полотна и цвет согласно веяниям эпохи.
Роль натюрморта в композиции картины никогда не исчерпывается простой информацией, случайным дополнением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы могут принимать более или менее активное участие в создании композиции или отельного образа, заслоняя ту или иную цель. Натюрморт в живописи как самостоятельный жанр призван достоверно передавать красоту вещей, ежедневно окружающих человека.
Иногда отдельная деталь или элемент вдруг приобретает глубокое значение, получает свой собственный смысл и звучание.
Мазаччо (1401-1428 гг.)
Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.
Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.
Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.
Натюрморты: символизм в предметах
Голландские художники передавали через натюрморты темы смерти, богатства и знаний. Для этого они использовали символы: черепа, оружие — о них и поговорим.
Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве
с крупнейшими российскими экспертами.
Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории
и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus
посмотреть все уроки
Автор урока
Алина Аксёнова
Историк искусства, автор книг «История искусств
Просто о важном» и «Искусство ХХ века», 9 лет проводила лекции и экскурсии в ГМИИ им. Пушкина
1. Питер Клас. Натюрморт с бокалом вина и серебряной чашей, 1635
2. Балтазар ван дер Аст. Натюрморт с цветами, фруктами и ракушками, 1630
3. Виллем Ван Алст. Натюрморт с фруктами и вазой, 1652
4. Виллем Класс Хеда. Натюрморт с пирогом, серебряной посудой и крабом, 1658
5. Ян Давидс де Хем. Натюрморт с фруктами, цветами, бокалом и лобстером, 1660-е
Натюрморты — особенно любимый голландцами жанр. Хороший натюрморт сочетает в себе три качества: эстетику, актуальность и символизм.
Эстетика Композиция. Сочетание формы и цвета. Композиция часто строится вокруг кувшина или большого бокала в центре. Визуальные рифмы. Предметы повторяют друг друга по форме, цвету или материалу. Такие закономерности интересно искать.
Актуальность — приметы современной голландской жизни ️Страна богатеет. Ранние натюрморты скромные: кувшин, кружка, селедка. Дальше — роскошнее: серебряная посуда, изысканная еда, дорогая скатерть.Торговля с другими странами. Экзотические фрукты, китайский фарфор, вазы. Голландцы гордились торговыми связями.
Символизм Умеренность. Немного рыбы или мяса, несколько фруктов — все по канонам протестантизма.Символы. Рыба и хлеб — отсылка к насыщению Христом множества народа пятью хлебами и двумя рыбами; хлеб и вино — символ причастия.
Телеграм-канал
Level One
Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков
подписаться
Голландские натюрморты ванитас
1. Ян Ливенс, 1627–1628
2. Питер Клас, 1630
3. Питер Клас, 1660
4. Эверт Кольер, 1669
5. Юриан ван Стрек, 1670
В Голландии стал популярным особый вид натюрморта — ванитас. Вместо красивых фруктов и посуды здесь черепа, книги, музыкальные инструменты.
Что нам пытаются сказать голландцы?
Ванитас (лат.) — «суета». Это восходит к стиху из Екклесиаста: «Суета сует — все суета!». Ванитас показывают суетность жизни и призывают задуматься о вечном. Для этого художники использовали символы.
Череп. Человеческая жизнь конечна, а смерть неизбежна.
Пустой кубок. «Чаша выпита до дна» — жизнь закончена.
Музыкальные инструменты. Мирские наслаждения мимолетны.
Деньги и оружие. Богатство и боевая слава преходящи.
Картины и книги. Искусство и знание живут дольше, чем наслаждения, богатство, слава.
Виллем Калф. Натюрморт с фруктами и чашей наутилус, 1660
О натюрморте с фруктами и чашей наутилус Виллема Калфа
Особый герой голландских натюрмортов — делфтский фаянс. Его легко узнать по темно-синим узорам и рисункам на белой поверхности. Почему фаянсовой посуды было так много и о чем это говорит зрителю?
Голландцы ценили китайские вазы. Фарфоровые изделия были в моде и стоили очень дорого.
В Голландии начали делать фаянсовые копии. Фаянс был дешевле и грубее фарфора. Когда с поставками из Китая возникли проблемы, спрос на него вырос.
Центром производства стал Делфт. Вскоре на делфтском фаянсе появились сценки из голландской жизни и элементы местного пейзажа: домики, мельницы, корабли. В такой стилистике делали не только посуду, но и изразцы, которыми выкладывали печи.
1. Балтазар ван дер Аст. Натюрморт с фруктами и ракушками, 1620
2,3,4. Делфтский фаянс, 17 век
Мы достаточно подробно поговорили о голландских натюрмортах — время присмотреться к ним еще внимательнее
Опишите натюрморт: что привлекает внимание больше всего, какие символы вы видите?. Вы можете описать натюрморт Юриана ван Стрека, либо найти пример самостоятельно.
Вы можете описать натюрморт Юриана ван Стрека, либо найти пример самостоятельно.
Пример: Юриан ван Стрек. Закуска, 1670-е
Задачи и проблемы натюрморта
Декоративная живопись, натюрморт и бытовые сцены впитали в себя новые тенденции эпохи — уход от канонов и одновременное сохранение консервативного натурализма изображения.
Натюрморт революционной эпохи времен полной победы буржуазии отражает уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду простых ремесленников, преклонение перед прекрасными образами красоты.
Сформулированные в 17-м веке проблемы и задачи жанра в целом не обсуждались в европейских школах вплоть до середины 19-го в. Между тем художники постоянно ставили перед собой новые и новые задачи, а не продолжали механически воспроизводить готовые композиционные решения и цветовые схемы.
Современные полотна
Фото натюрмортов для живописи, подготовленных в современных студиях, наглядно демонстрируют разницу между восприятием мира современником и человеком средних веков. Динамика объектов сегодня превосходит все мыслимые пределы, а статика предметов была нормой для того времени. Колористические комбинации 17-го века отличаются яркостью и чистотой цвета. Насыщенные оттенки гармонично вписываются в композицию и подчеркивают задумку и идею художника. Отсутствие любых канонов не лучшим образом повлияло на натюрморты 20-21-го веков, иногда поражающие воображение своей неприглядностью или нарочитой пестротой.
Методы решения проблем натюрморта стремительно меняются каждое десятилетие, способы и техника не успевают за фантазией признанных и не очень мастеров.
Ценность сегодняшних полотен состоит в выражении реальности глазами художников-современников; посредством воплощения на холсте возникают новые миры, которые смогут многое рассказать о своих создателях людям будущего.
Ренессанс натюрморта
Тем не менее, большую роль играют произведения XV-XVI веков в эпоху Возрождения
Живописец впервые обратил внимание на мир вокруг себя, стремился определить значение каждого элемента на службе человечества
Современная живопись, натюрморт как популярный и любимый жанр зародились в период Триченто. Бытовые предметы приобрели определенное благородство и значимость владельца, которому они служили. На больших полотнах натюрморт, как правило, выглядит весьма скромно и неброско — стеклянная банка с водой, серебро изящной вазы или нежные лилии на тонких стеблях чаще ютились в темном углу картины, как бедные и позабытые родственники.
Тем не менее, в образе прекрасных и близких вещей было столько любви в стихотворной форме, что современная живопись, натюрморт и его роль в ней уже несмело проглядывали через прорехи пейзажей и тяжелые портьеры жанровых сцен.
Микеланджело (1475-1564 гг.)
Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.
Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.
Мазаччо (1401-1428 гг.)
Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.
Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.
Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.
Фландрское течение
Буржуазное направление развития Фландрии стало новинкой и прогрессом для всей Европы. Перемены в политической жизни привели к аналогичным нововведениям в культуре — открывшиеся перед деятелями искусства горизонты теперь не ограничивались религиозными запретами и не поддерживались соответствующими традициями.
Натюрморт как стал флагманом нового искусства, воспевавшего все естественное, яркое и прекрасное. Строгие каноны католицизма более не сдерживали полет фантазии и любознательность живописцев, а потому наряду с искусством начали развиваться наука и технологии.
Обычные бытовые вещи и предметы, ранее считавшиеся низменными и недостойными упоминания, в одночасье вознеслись до объектов пристального изучения. Декоративная живопись, натюрморт и пейзажи стали настоящим зеркалом жизни — повседневного распорядка, рациона, культуры, представлений о прекрасном.
Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)
Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.
Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.
Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.
О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .
Рафаэль (1483-1520 гг.)
Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.
Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.
Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.
Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.
Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен..
Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.
К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.
Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.
О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.
Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.
Картины художника Виллема ван Алста (Willem van Aelst)
домашней птицей
Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.
Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.
Переломный момент
Субъекты получили реальный элемент в картинах и новое значение в 17-м веке — в эпоху, когда преобладал и доминировал натюрморт с цветами. Живопись такого рода приобрела многочисленных поклонников среди дворянства и духовенства. В сложных композициях с выраженной литературной сюжетной линией сцены получили свое место наряду с главными героями. Анализируя произведения эпохи, легко заметить, что важная роль натюрморта аналогичным образом проявилась в литературе, театре и скульптуре. Вещи начали «действовать» и «жить» в этих работах — их показывали как главных героев, демонстрируя самые лучшие и выгодные стороны предметов.
Объекты искусства, сделанные трудолюбивыми и талантливыми мастерами, несут на себе личностный отпечаток мыслей, желаний, влечений конкретного человека. живопись лучше всех психологических тестов помогают отследить психоэмоциональное состояние и достичь внутренней гармонии и целостности.
Вещи преданно служат человеку, перенимая его восторг предметами быта и вдохновляя владельцев на приобретение новых красивых, изящных мелочей.
Свойства жанра
Именно отсюда, из сознательного, углубленного изучения окружающего мира развился отдельный жанр бытовой живописи, пейзажа, натюрморта.
Искусство, обретшее определенные каноны в 17-м веке, определило основное качество жанра. Картина, посвященная миру вещей, описывает основные свойства, присущие объектам, которые окружают человека, показывает отношение мастера и его гипотетического современника к тому, что показано, выражает характер и полноту знаний о действительности. Художник обязательно передавал материальное существование вещей, их объем, вес, фактуры, цвета, функциональное назначение предметов быта и их жизненную связь с деятельностью человека.
Микеланджело (1475-1564 гг.)
Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Сикстинская капелла
Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.
Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.
Натюрморт с фруктами XVIII столетия
Натюрморт с вишней, абрикосами и кувшином (ок. 1773). Луис Мелендес (исп. Luis Egidio Meléndez de Rivera Durazo y Santo Padre; 1716, Неаполь — 1780, Мадрид), испанский художник XVIII века, продолжатель лучших традиций мастеров испанского натюрморта. Музей изобразительных искусств Бильбао, Бискайя (Испания).
Натюрморт с апельсинами, арбузами и коробками конфет. Луис Мелендес (1716-1780), испанский художник
Фруктовый натюрморт с яблоками, грушами и виноградом на мраморной тарелке. Винк Йоханн Амандус (1748-1817), немецкий живописец
Натюрморт из фруктов. Джордж Уильям Сарториус (1759-1828), британский художник
Натюрморт с тарелкой абрикосов и вишнями Морелло, 1773. Луис Мелендес (1716-1780), испанский художник, продолжатель лучших традиций мастеров испанского натюрморта. Музей Прадо
Фруктовый натюрморт. Ян ван Хёйсум (1682-1749), нидерландский художник. Королевская галерея Маурицхёйс. Гаага, Нидерланды
Натюрморт с фруктами на мраморном столе. Ян ван Хёйсум (1682-1749), нидерландский художник
Натюрморты с фруктами XIX столетия
Корзина земляники, 1864. Уильям Хаммер (1821-1889), датский художник, специализировался на натюрмортах с цветами и фруктами
Натюрморт с клубникой и воробьями. Эдвард Чалмерс Ливитт (1842–1904), американский художник
Натюрморт с виноградом в корзине. Антон Хартингер (1806-1890), австрийский художник
Апельсины, орехи и сухофрукты, 1860-е. Лилли Мартин Спенсер (урожденная Анжелика Мари Мартин; 1822-1902), американская художница
Натюрморт с красной и белой смородиной. Эдвард Чалмерс Ливитт (1842–1904), американский художник
Корзинка с вишнями, 1880. Эдвард Чалмерс Ливитт (1842-1904), американский художник
Натюрморт с виноградом, 1885. Холст, масло. Дж. А. Хендрик
Натюрморт с фруктами, гнездом и насекомыми, 1869. Музей искусств, Анн-Арбор, Мичиган. Джордж Форстер (1817-1896), известный американский мастер натюрморта, родившийся в Германии.
Натюрморт с клубникой и вишнями, 1863. Johan Cornelis Jan Neervoort, бельгийский художник
Натюрморт с малиной, черешней и вьюнком, 1890. Холст, масло. Элоиза Гарриет Стэннард (1829-1915), английская художница
Натюрморт с апельсинами , ок. 1863. Рафаэль Ромеро Баррос (1832-1895), испанский художник
Клубника в вазе с гроздью винограда. Адриана Йоханна Хаанен (1814-1895), голландская художница
Натюрморт с виноградом и бутылкой, 1889. Анна Катарина Фредрика Мунте-Норстедт (1854 -1936), шведская художница
Натюрморт с ягодами и птичьим гнездом. Джордж Форстер (1817-1896), американский мастер натюрморта
Натюрморт с китайской вазой и фруктами. Эдвард Ладелл (1821-1886), британский художник
Десерт №1 (ок. 1861-1897). Роберт Уилки (1828-1903), американский художник
Клубника со сливками, 1816. Масло на дереве. Рафаэль Пил (1774-1825), американский художник
Натюрморт с апельсинами и лимонами. Жан Капейник (Jean Capeinick, 1838-1890), бельгийский художник