Балет – новая любовь
С балетом у Пикассо
связано немалая часть его жизни. Привлеченный С.Дягилевым, он работал над костюмами, декорациями и сценарием
многих балетных постановок. Балет начал
серьезно интересовать художника. Таким образом, его узнали представители
парижского бомонда. Что в принципе сыграло ему на руку, так как до этого им мало
интересовались как художником. Теперь ему была открыта дорога в общество, где
стали восхищаться его талантами.
Он продолжает создавать яркие натюрморты в жанре кубизм. Изображения
купальщиц и великанш, большое количество портретов жены и сына – основное
занятие Пабло Пикассо в этот
жизненный период. Произведения которого поколебали авангардистские взгляды в обществе
того времени.
Любовь до гроба
В марте 1917 года Модильяни познакомился с начинающей художницей Жанной Эбютерн, которой на тот момент не было и 19 лет. Она брала уроки рисования, подрабатывала моделью и, как и её старший брат Андре, мечтала стать профессиональной художницей, способной зарабатывать на жизнь творчеством. Она также изучала музыку и играла на виолончели. Семья была категорически против её связи с Модильяни, который был на 14 лет старше, страдал туберкулёзом, употреблял наркотики и алкоголь. Тем не менее пара съехалась и поселилась на Монпарнасе.
После его романов с Ахматовой и Гастингс, Жанна была первой и единственной женщиной, которая разделяла страсть Модильяни к живописи. Весной 1918-го они были вынуждены покинуть Париж и уехать на Лазурный берег в попытке спастись от бомбёжек и эпидемии испанского гриппа. В ноябре того же года у них родилась дочь. Интересно, что ни Жанна, ни Амедео не написали ни одного портрета девочки. (Хотя ту же Жанну Амедео писал более 20 раз).
К концу мая 1919 года они вернулись в Париж. Состояние Модильяни было крайне тяжёлым, к осени он окончательно потерял силы и уже не мог работать. 24 января 1920 года 35-летний Амедео Модильяни умер. Через два дня Жанна Эбютерн, находившаяся на восьмом месяце беременности, покончила с собой.
Амедео Модильяни незадолго до смерти. (wikipedia.org)
Похороны художника на кладбище Пер-Лашез из скромной церемонии обернулись громким событием. «Как будто принц умер», — говорили на Монпарнасе. Деньги на похороны собирали всем миром. Художники, писатели, модели, арт-дилеры, владельцы баров и бистро Монмартра и Монпарнаса — все пришли проститься с Модильяни. Его дочь забрала к себе сестра, жившая в Ливорно.
Жизненный путь
Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер, родился 25 октября 1881 года в Малаге, шумном портовом городе на юге Испании. Голубой период. Девочка на шаре Отец Пикассо был преподавателем живописи. В семье было четверо детей, Пабло был старшим. В 1895 году семья переехала в Барселону, где отец стал работать в художественной школе Ла Лонха. Пикассо начал учиться именно там, а в 1897 году продолжил образование в мадридской Академии изящных искусств. В 16 лет он вернулся в Барселону и организовал собственную студию. Пабло был на редкость самоуверенным юношей и не сомневался в том, что сумеет добиться грандиозного успеха. Подобно всем амбициозным художникам того времени, Пикассо мечтал попасть в Париж. Его мечта сбылась в 1900. В 1904 он окончательно обосновался в Париже. 1900-1904 называют «голубым периодом» в творчестве Пикассо, поскольку большинство созданных им в эти годы картин написано в холодных голубых тонах. Розовый период «Голубой период» сменился кратковременным «розовым», когда художник предпочитал более теплую гамму. Следующий период его творчества отмечен дружбой с художником Жоржем Браком. В результате их сотрудничества сложилось новое направление в живописи – кубизм. В 1917 году художник посетил Рим, где работал над декорациями и костюмами к балету «Парад» в постановке Сергея Дягилева. Здесь Пикассо влюбился в Ольгу Хохлову, одну из танцовщиц русской труппы. Купальщицы Они поженились в 1918 году. В 1921 году у Пабло и Ольги родился сын Поль, однако их брак счастливым не назовешь. По сути, он кончился в январе 1927 года, когда Пикассо увлекся 17-летней Мари-Терез Вальтер. Самому мэтру было тогда 45. В 1935 году у Мари-Терез родилась девочка, которую назвали Майей. Брак Пикассо с Ольгой, заключенный по испанским законам, не мог быть расторгнут. Ольга и Пабло формально оставались мужем и женой вплоть до смерти Ольги в 1955 году. Но не сложились и отношения Пикассо с Мари-Терез. После нее у художника были еще музы – Дора Маар и Франсуаза Жило (они прожили вместе 10 лет, и родили двоих детей), Жаклин Рок (на которой художник женился). Даже перевалив за восьмой десяток лет, Пикассо продолжал энергично работать. При этом в последние свои годы он крайне редко появлялся на людях, предпочитая тихую уединенную жизнь в обществе Жаклин. Умер Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года и был похоронен в старинном замке Вовенарг, где жил и работал в 1958-1961 годах.
Между архаикой и авангардом
В начале 1906 года Модильяни переехал в Париж и поселился на Монмартре — там же, где были студии у Пабло Пикассо и других пионеров современного искусства. В то время французский авангард активно использовал средства архаического и не европейского искусства, тем самым порывая с академической изобразительной традицией. Появился термин «примитивный»: в случае с искусством он подразумевает, что художники, подобно мастерам византийских икон и европейским ремесленникам, следовали многовековым традициям. Замок Ангкор в современной Камбодже, выросший в джунглях, ассоциировался с Храмом Соломона; африканская скульптура сравнивалась с искусством Древнего Египта. Модернисты были восхищены теми намеренно абстрактными формами, которые художники прошлого, не испорченные цивилизацией, придавали фигурам людей. Примитивизм считался репрезентаций основ искусства, его чистой красоты.
Кариатида, 1911/1912. (wikipedia.org)
Кариатида, 1913. (wikipedia.org)
Из экспедиций в Западную и Северную Африку, а также Индокитай археологи и туристы привозили многочисленные артефакты. Часть из них была представлена на всемирных выставках 1867-го и 1889-го в Париже. В 1882 году во французской столице открыт первый этнографический музей, где были представлены предметы искусства из Индокитая. Всё это сформировало лицо авангарда.
Модильяни в начале творческой карьеры находился под влиянием картин голубого и розового периодов Пикассо. Героями его полотен становились маргиналы, например, арестованные женщины и алкоголики, голодающие артисты. Модильяни и себя считал изгоем, одним из тех, чьи образы переносил на холст. На его ранние работы, помимо Пикассо, повлияло творчество Поля Сезанна, Поля Гогена, Теофиля Александра Стейнлена и Анри де Тулуз-Лотрека.
В 1909 году, после знакомства с Константином Бранкузи, Модильяни начал создавать скульптуры из камня. За свою короткую карьеру он выполнил около 25 работ. Стиль этих абстрактных удлинённых голов, во многом напоминающих африканские маски, впоследствии найдёт отражение в его живописных произведениях. Скульптуры Модильяни демонстрируют знание автора не только африканской традиции, но также культуры Кикладской и Шумерской цивилизаций.
Молодого автора даже выбрали для участия в Осеннем салоне 1912 года, что было большой честью. Биографы, учитывая финансовые трудности Модильяни, нередко задавались вопросом, как он мог раздобыть дорогие материалы. Предположительно, как и многие другие скульпторы того времени, он время от времени «брал взаймы» камень: Монпарнас в то время активно ремонтировался, на строительных площадках можно было найти достаточно известняка. Возможно, это совпадение, но серии голов Модильяни вырезаны из камня того же типа.
Перед началом работы над статуей Модильяни выполнял множество подготовительных рисунков, повторяя и варьируя тему кариатид. Чёткие, стилизованные контуры очерчивают аскетические и строго фронтальные фигуры, отражающие строгость и жёсткость архаической скульптуры. Чтобы усилить эффект чужеродности и загадочности, Модильяни сочетал разные традиции: вытянутые шея и голова, клиновидный нос, скрещенные на груди руки — из кикладской культуры; украшения для тела, заострённый подбородок, маленький рот с тонкими губами и миндалевидные глаза — из африканской; причёска — из египетской.
К 1914 году художнику, страдавшему туберкулёзом, пришлось отказаться от скульптуры: работа с мрамором и известняком была губительна для его лёгких.
О месте Музей Пикассо
Музей Пикассо (Musée national Picasso) был официально открыт в Париже в 1985 году. Экспозиции музея посвящены творчеству Пабло Пикассо. Музей Пикассо считается обязательным пунктом посещения музеев в Париже.История Музей Пикассо в Париже находится в здании особняка Сале. Здание расположено в средневековом квартале Маре, одном из самых респектабельных районов, которым славится Париж. Особняк Сале построен в период с 1656 по 1659 года, над проектом особняка работал архитектор Жан Булье, скульптурнве композиции выполнили братья Гаспар и Бальтазар Марси и Мартен Дежарден. Изначально будущий музей строился для Пьера Обера де Фонтеней – одного из известных предпринимателей Парижа, богатства которого появились вследствие увеличения налога на соль. Самых ходовой товар и дал название особняку – Сале в переводе означает «солёный». Однако практически сразу после постройки особняка, а именно в 1661 году, Пьер Обер был разорён во время процесса Фуке. Это положило начало многочисленным сменам владельцев будущего музея в Париже. В 1668—1688 годах тут поместили посольство Венеции, а в 1829 году – открыли Центральную школу искусств и ремёсел (Ecole centrale des arts et manufactures),которая дала путевку в жизнь Густаву Эйфелью, Луи Блерио и Арману Пежо. В 1962 году Сале отдали во владение городскому муниципалитету, и практически сразу было принято решение о реконструкции здания в Париже. Над работами по восстановлению работали представители организации Исторических памятников Бернар Витри и Бернар Фонкерни. Для реконструкции внутренних помещений, в которых должен был быть размещен музей, был объявлен открытый конкурс, победителем которого стал француз Ролан Симоне. Его трудами внутренние помещения были расширены до первоначальных размеров. Работы по восстановлению продолжались 3 года. Музей Пикассо в Париже открылся в 1985 году.Экспозиция музея Пикассо В экспозиции музея в Париже представлены работы всех периодов творчества Пабло Пикассо. Коллекция содержит многочисленные картины, скульптуры, коллажи, объёмные картины, предметы керамики, рисунки, тетради и гравюры великого мастера. Помимо прочего, в музее Пикассо представлены личные коллекции Пикассо, которые содержат работы Матисса, Сезанна, Руссо, Андре Дерена, Жоржа Брака, Дега, Доана Миро, а также предметы африканского искусства. Все работы в музее выставлены в хронологическом порядке, начиная от кубизма и этапов неоклассицизма, до реализма, борокко и «Ню».Информация для туристов До лета 2013 года Музей Пикассо закрыли на реставрацию, но вы можете посетить другие многочисленные музеи в Париже.
Юриан ван Стрек
В свою очередь, от классического натюрморта с черепом из эпохи барокко не отошел голландец Юриан ван Стрек при создании своей картины на тему vanitas в 1680 году
Череп здесь не занимает центральной позиции — напротив, все внимание зрителя привлекают огромные пышные перья, возвышающиеся по центру и четко разделяющие полотно пополам. Также здесь присутствуют военный шлем, кинжалы и книга с пьесой Софокла «Электра»
Скорее всего, именно пьеса является ключом к пониманию задумки художника — перья, вероятно, символизирует гиперболизированное тщеславие, заблуждение в собственной правоте, а шлем и кинжалы олицетворяют убийство и месть. Интересным элементом является и ярко-красный женский портрет на платке, который зритель в первую очередь принимает за бесформенное пятно крови.
Пикассо и женщины
Пабло Пикассо с женой Ольгой
Пикассо был не только выдающимся художником, но и довольно известным донжуаном. Он был женат дважды, но имел бессчетное количество связей с женщинами самого разного уровня и нравственности. Сам Пикассо резюмировал свое отношение к женскому полу следующим образом: «Женщины — это машины для страдания. Я делю женщин на два вида: любовницы и тряпки для вытирания ног». Неизвестно, связано ли открытое презрение Пикассо к прекрасному полу с тем, что две из семи самых важных женщин художника покончили с собой, а третья умерла на четвертый год совместной жизни.
Неоспоримым фактом остается то, что Пикассо не был привязан ни к одной из десятков или, возможно, сотен любовниц и жен, но активно использовал их, в том числе и финансово. Среди его законных жен была амбициозная советская танцовщица Ольга Хохлова. Брак с влиятельной женщиной не помешал ему заводить отношения на стороне. Так, с молодой любовницей Дорой Маар Пикассо познакомился в баре, когда та искромсала свои пальцы в кровавое месиво, пытаясь ножом попадать в промежутки между пальцев. Это глубоко впечатлило Пикассо, и он прожил с Дорой еще несколько лет втайне от Хохловой.
Видео
Источники
- https://24smi.org/celebrity/4243-pablo-pikasso.htmlhttps://sputnik-ossetia.ru/spravka/20171026/5125710/pablo-pikasso-biografia-lichnaya-zhisn.htmlhttp://stories-of-success.ru/pablo-pikassohttps://to-name.ru/biography/pablo-pikasso.htmhttp://www.obiskysstve.ru/catalog/hudogniki/pikasso/biografiya_pablo_pikasso/
Сюрреализм
«Лежащая женщина читает»
В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.
В 1937 году симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герника — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.
Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).
В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».
Кража
7 апреля 1969 года «Плачущая женщина» вместе с 25 другими картинами была украдена из дома Пенроуза на Хорнтон-стрит в Лондоне. Кража получила широкую огласку и обсуждалась Роландом Пенроузом в программе BBC «24 часа» 8 апреля 1969 года. Пенроуз был процитирован в Daily Mirror : «Моей самой дорогой картиной была картина Пикассо под названием« Плачущая женщина », которую я купил сразу после того, как он нарисовал ее. Она должна стоить от 60 000 до 80 000 фунтов стерлингов. Это была моя самая большая ценность. Я купил ее, когда краска была еще влажной ». Он сообщил Пикассо о краже 9 апреля в письменной форме, назвав кражу «ужасающей катастрофой». Картины в конечном итоге были обнаружены рабочими в доме, который должны были быть снесены в Илинге, Лондон, в июле. Когда Пенроуз воссоединился с картинами в полицейском участке Челси, он чуть не заплакал. Кража заставила семью пересмотреть свои меры безопасности, и это привело к тому, что картина была предложена во временное пользование Тейт.
Творчество
Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».
Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.
В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.
В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. А. С. Пушкина, где и находится до сих пор.
Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.
В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.
Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.
В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева. Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.
Светлый период жизни отразился и на творчестве художника — на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».
БИОГРАФИЯ ПАБЛО ПИКАССО
Он родился в 1881 году. Пабло взял фамилию матери, поскольку фамилия отца – Руис – была очень обыденной, к тому же отец будущего художника и сам был художником, и Пабло было у кого учиться.
В детстве отец разрешал Пабло заканчивать за него работы – например, дорисовывать лапки голубей. Однажды, когда Пабло выпал случай выполнить более масштабную работу, Хосе Руис был поражён его техникой, причем, как гласит одна из легенд о Пикассо, поражён настолько, что с этого дня сам бросил заниматься живописью.
Уже в 16 лет Пабло отправился в Мадрид, в лучшую на то время художественную школу. Проучился он там недолго, хотя успел поразить и соучеников, и преподавателей своим мастерством. Значительно сильнее он заинтересовался различными сторонами жизни большого города, а также с головой погрузился в творчество интересных ему художников – Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, а особенно Эль Греко.
Пикассо прожил очень долгую жизнь, никогда не переставая творить. За почти вековую жизнь он пережил множество творческих перемен, романтичных встреч с женщинами, сменил с десяток шикарных домов и умер мультимиллионером.
Работы военного времени (1937-1945)
«Фазан» 1938
«Голова женщины в шляпе» 1939
«Мария Тереза в венке» 1937
«Мастерская художника» 1943
«Майя с куклой» 1938
«Молящая» 1937
«Натюрморт» 1945
«Плачущая женщина с платком» 1937
«Птицы в клетке» 1937
«Раненная птица и кот» 1938
«Склеп» 1945
«Женщина в красном кресле» 1939
В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни». Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.
«Радость бытия» 1946
В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.
Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.
В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.
«Резня в Корее» 1951
В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.
Пикассо в мастерской Мадура
Керамика Пикассо в музее, Париж
Сравнивая работы Пикассо с керамикой античных времен можно найти некоторые сходства:
В 1958 году для парижского здания ЮНЕСКО была написана композиция «Падение Икара».
«Падение Икара»
Гений иронии и гротеска
Художественные метаморфозы Пикассо порой были столь внезапны, что выстроить все его стилистические фантазии в одну линию не всегда возможно. Направления наслаивались друг на друга, поиски нового сочетались с возвратом к старым экспериментам.
Художник не раз оказывался в состоянии внутреннего кризиса, болезненной самоуглубленности, когда торжествовал дух отрицания. В 1930–1940 гг. деформация и разложение формы в творчестве Пикассо достигают апогея и обретают экспрессионистическое звучание. Трагическое начало как отражение непосредственных событий становится в этот период определяющим. Поистине ошеломляющим взрывом, ключевой и самой масштабной работой тех лет стала «Герника» (1937).
В обобщающую метафору страдания превратилась «Плачущая женщина» (1937), лицо которой уподоблено ужасающей игре сломанных линий и уродливых нагромождений форм.
Да и во многих других созданиях художника того времени мир обретает черты кошмарного сна, мрачной фантазии, часто окрашенной иронией или гротеском. Пикассо начинает создавать зловещих фантомов, человеческие образы («Женщина на берегу моря», 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), похожие на средневековые химеры. С беспощадным сарказмом составляет он причудливое женское тело из частей каких-то механизмов, а голову трактует как гаечный ключ.
Жизнь есть сон
Нельзя, однако, пройти мимо феерических графических работ зрелого Пикассо. Иллюстрации к «Метаморфозам» Овидия, созданные в 1930 г., цикл офортов «Художник и модель» (1930-е), «Минотавр» — поражают графическим изяществом, эффектными ракурсами, элегантными линиями. Пикассо создает то шутливые, то пленительные листы с героями, овеянными нежностью, волнующей экспрессией или пронизанные жестокой эротикой. Но всегда это ошеломляющая техника, часто классический рисунок с добавлением прихотливого арабеска, нервозности и завораживающей изобретательностью линий.
Художник трагедии вспоминает об идиллии. В офортах «Любовь Юпитера и Семелы» (1930) или «Скульптор и натурщица» (1933) он воплощает образ любви и природы, союз двух существ, необходимых друг другу. А вот образ Минотавра — символ стихийной силы и сексуальной агрессии. Пикассо не следует буквально за мифологическими сюжетами, а создает свой мир, переосмысленный, трансформированный сознанием человека XX века. «Минотавр, рассматривающий спящую» (1933) — мрачное чудовище, готовое к насилию.
Мрачные видения неистового испанца, порожденные его фантазией, обратились в пророчества и предвестия катастроф средины и второй половины XX века. Те сюрреалистические тенденции, которые он встраивал в свои прежние работы, теперь достигли предельной концентрации в еще более чудовищных фантомах, которые создавал его бушующий темперамент. Это был бунт против человеческой природы, можно сказать, ее поругание. «Причесывающаяся женщина» (1940) или «Натюрморт с черепом быка» (1942), с их растерзанными, конвульсивными формами и мрачным символами, несут в себе какой-то темный ужас, обнажают скрытое уродство мира, запятнавшего себя невиданными злодеяниями. Даже забавная «Кошка, поймавшая птицу», написанная маслом в духе детского рисунка в 1939 г., невольно заставляет содрогнуться. Именно в этом году Испания попала под власть фашистского режима, а Чехословакия была захвачена нацистской Германией.
Эпилог
После Второй мировой войны Пикассо по-прежнему живет в Париже. Он не на минуту не покидал Францию в годы оккупации, хотя его не раз приглашали в Соединенные Штаты Америки. После краха нацизма и освобождения французской столицы в искусстве художника начинают появляться мажорные мотивы. Они воплотились, к примеру, в грандиозном ансамбле «Храм мира» в Валлорисе. Новый период открывает известная статуя 1944 г. из бронзы «Человек с ягненком» (Валлорис).
С середины 1950-х Пикассо обращается к необычным вариациям на тему классических живописных полотен. Он использует картины старых мастеров, трансформируя их в свои образы, наполненные новым смыслом. В их ряду «Алжирские женщины» Делакруа (1954), «Завтрак на траве» Мане (1960), «Менины» Веласкеса (1968). Не столь давно эти параллели можно было увидеть на выставке в ГМИИ имени А.С. Пушкина.
В 1958 г. Пикассо создал монументальную композицию «Падение Икара» для здания ЮНЕСКО в Париже.
Умер великий испанец в апреле 1973 г. в Мужене, во Франции, оставив огромное состояние и множество работ. Его картины, рисунки, скульптуры и коллажи украшают многие великие собрания мира и частные коллекции.