Тристан и Изольда – Сальвадор Дали. Картины на заказ. Спец-цены. Большой выбор.
Современные искусствоведы считают Дали основателем сюрреализма как художественного направления. Он до конца жизни оставался истинным поклонником и ценителем этого стиля. Сальвадору Дали удавалось удивительным образом сочетать в одной картине огромное количество деталей, имеющих определенный смысл. Символика считается особенностью живописи Дали, и делает его творчество невероятно увлекательным для ценителей.
Гениальному живописцу удавалось вкладывать в свои картины дополнительный смысл с помощью игры образов. Зритель зачастую мог увидеть еще один сюжет, по-другому трактовать основную историю. Картина «Тристан и Изольда» переполнена подобными моментами.
История создания картины «Тристан и Изольда»
Легенда о Тристане и Изольде всегда будоражила умы художников, поэтов и музыкантов. Любовь, пронесенная через года, и сохраненная после смерти, не раз описывалась творческой богемой в своих произведениях. Однако мало кто знает, что история была забыта на несколько столетий и вновь возрождена благодаря опере Вагнера.
Эта история не могла оставить равнодушным восприимчивого Дали. Начало второй жизни легенды совпало с пребыванием Сальвадора Дали в Соединенных штатах и приближением окончания Второй Мировой в Европе. Все эти нюансы позволили испанскому сюрреалисту посмотреть на историю влюбленных совершенно в другом ракурсе.
Описание картины «Тристан и Изольда» Сальвадора Дали
Главные герои любовной легенды: Тристан и Изольда. Их сердца навеки принадлежат друг другу из-за любовного напитка, случайно выпитого ими. Легенд гласит, что девушка была врачевательницей, а юноша спасал короля от врагов, то есть был «воином на службе короля». Первая ассоциация, которая приходит на ум о противостоянии мира и войны, жизни и смерти.
Эта идея и легла в основу картины великого мастера. Поэтому он изображает Изольду женственной и обнаженной по пояс, покрытой человеческой кожей. Ее голову увенчивает легкий цветок – одуванчик, который уже успел врасти своими корнями в ее плечо. Дали видит девушку доверчивой и легкомысленной. Все ее поступки говорят о том, что она может исчезнуть от единственного грубого прикосновения.
Вторая фигура значительно отличается от первой. Она укутана в синий плащ и лишь отдаленно напоминает человеческое тело. Черно-серая кожа, странные формы и полосы на лице. Можно заметить на его теле увядшие цветы, которые так умело противопоставлены легкому одуванчику врачевательницы. Руки Тристана излучают смерть, и он тянет их к возлюбленной, стремясь поцеловать ее.
Этот момент еще не произошел, но мы уже знаем, что будет дальше. Как и все, к чему притрагивается Тристан, умрет и Изольда. На первый взгляд может показаться, что девушка обнимает себя, но на самом деле она пытается защититься от смертельного тлена, идущего от Тристана.
Пейзаж тоже имеет несколько примечательных деталей. Часто фоном для произведений Дали становилась безжизненная пустыня. На этот раз она освещена двумя источниками света: первый находится поодаль от сцены действия, второй — впереди. Последний освещает именно девушку, это можно понять судя по удлиненной тени, падающей от ее фигуры. Мы невольно хотим, чтобы яркий свет рядом с Изольдой спас ее от неминуемой смерти.
Как сделать заказ?
- понедельник-пятница с 10:00 до 22:00
- суббота-воскресенье — выходной
или сделать онлайн-заказ в любое время суток, заполнив заявку с указанием ваших контактных данных. Наши администраторы свяжутся с Вами для уточнения деталей.
Картины и произведения искусства
Исследование Джейн Моррис по Эвелин де Морган в 1904 году
Вышивка Джейн Моррис:
- Вышитые панно «Легенда о хороших женщинах» , 1880-е годы, работы Джейн Моррис и Элизабет Берден, Замок Ховард.
- Вышивка жимолостью, разработанная в 1876 году, изготовлена в 1880-х годах, шелк и лен, Галерея Уильяма Морриса, Лондон.
Картины Джейн Моррис Данте Габриэля Россетти :
- Синее шелковое платье , 1868 год .
- Прозерпина или Прозерпина , 1874. Холст, масло. Галерея Тейт Британия , Лондон.
- Астарта Сириака , 1875–1879. Городская художественная галерея, Манчестер.
- Беатрис, портрет Джейн Моррис , 1879. Холст, масло 13+1 ⁄ 2 × 11 дюймов.
- Сон наяву, 1880. Холст, масло. Музей Виктории и Альберта , Лондон.
- Ла Донна делла Фиамма , 1877. Цветные мелки. Художественная галерея Манчестера .
- Донна делла Финестра , 1879. Холст, масло. Художественный музей Фогга , Гарвардский университет, Кембридж, США.
- La Donna Della Finestra , 1881 (незаконченный).
- Джейн Моррис , ок. 1860. Карандаш.
- Джейн Моррис , 1865 год.
- Марьяна , 1870 год. Художественная галерея Абердина .
- Пандора , 1869 год.
- Пандора , 1871 год.
- Ла Пиа де Толомеи , 1866–1870 гг. Масло на холсте. Музей искусств Спенсера , Канзасский университет.
- Портрет миссис Уильям Моррис .
- Портрет Джейн Моррис , 1858 год. Ручка.
- Reverie , 1868. Бумага, мел. Музей Эшмола , Оксфорд, Великобритания.
- Roseleaf , 1865. Карандаш.
- Этюд Гвиневеры для сэра Ланселота в камере царицы , 1857 г.
- Водяная ива , 1871 год. Художественный музей Делавэра.
По Уильям Моррис :
La Belle Iseult (также называемая королевой Гвиневер ), 1858 год . Масло.
По Эдвард Бёрн-Джонс :
Многочисленные витражи, в том числе в Крайст-Черч в Оксфорде .
По Эвелин де Морган :
- Этюд Джейн Моррис для песочных часов , 1904 год. Фонд Де Моргана.
- Песочные часы 1905 года Фонд Де Моргана Поместье Уайтвик
William Morris vs Morris Style
Style is death. Finding the measure is finding
a freedom from that death, a way out, a movement
forward. ~Robert Kelly, Prefix: Finding the Measure
Defining Morris Style
For Morris, things are more than things; they carry meaning and meaning allows us to form our values. A mass-produced item that looks just like the hand-crafted thing lacks its meaning and core. Arts & Crafts items are made by people for people, not by machines for money. Morris did not want wpoor quality, cheap, and especially soulless mass-produced decoration for his first home, Red House. He was directly involved in the medieval-influenced design of Red House, designed by his friend and architect Philip Webb. He chose the site for the home along the path that Chaucer’s pilgrims would have traveled, even creating a «Pilgrim’s Rest» porch at Red House.
In planning and decorating Red House, Morris found the soul of decorative arts in myth and in quality of medieval craftsmen. He had the means to mass-produced medieval-style art; instead, he painted his own tiles, taught himself weaving and a host of other artisan crafts. Red House was decorated with hand-crafted and hand-painted items as a collective effort with his bride, Jane, and their friends. But Red House is not a historically accurate recreation of anything. Rather, Morris took three steps back in time in order to go forward in a new direction. It was that experiment that prompted them to form ‘The Firm’ (the first incarnation of what was to become Morris & Co. )
And Why tile?
Tile was one of the first media taken up by Morris. Tile designs are «portable» and he could make something tangible and beautiful without years of apprenticeship. Designs such as Burne-Jones’s fairy tale tiles were revisited in paintings, and tapestries, with designs adapting to the media.
The Firm: Morris, Marshall, Faulkner, and Co.
Morris, Marshall, Faulkner, and Co. (Morris and Co.’s predecessor) was established as a decorating business of «fine art workmen» including artists Edward Burne-Jones, Ford Maddox Brown, and Dante Gabriel Rossetti. Morris and Burne-Jones were the principal designer but the entire Pre-Raphaelite community of artists worked there, as well as Arthur Hughes and William De Morgan. ‘The Firm’ designed objects to decorate home with the intention of elevating the decorative arts to the level of fine art.
Some tiles began as stained glass, textile designs came from tile, paintings, such as Burne-Jones’s Morgan Le Fay, came from designs for embroidery and textiles. I’ve taken this a step farther, just as Morris did for some of his designs. , and some art tile that speaks to the Victorian fascination with fairies, fairy tales, and the spiritual world are a current interest.
At the Center: Morris Values
As I get older, my respect for this man, and the values he chose to live by, deepens. Betrayed by his wife and best friend, he abandoned neither, despite the affront and humiliation, despite the titters and jokes about his «cuckolding», despite a heart clearly broken on both counts. I find him particularly remarkable in this age of disposable relationships and the dehumanization of people and situations by labeling them as psychologically «toxic» when they become difficult or do not meet personal needs. And that, I think, is the attraction: Not trying to recreate a style, but returning to one’s values in order to create something new from something old and real.
I make tiles for people. For this reason, I tend not to respond to requests for a «source» for mass-produced «Morris-style» designs. The web abounds with cheap knockoffs, often enlarged versions of my web images selling for prices less than my cost of materials. These can be purchased online without any human contact whatsoever.
You Can Break Rules and It’s Still Morris
Morris took freely from the interests of Victorian culture and combined them with his love of nature, of myth and medieval, taking what he wanted and leaving what he did not like. A design for one wall at Red House was to be a fresco of the Fall of Troy, yet Morris chose 13th century ships for the Greeks. Red House has little external decoration, preferring to let the bones of the house speak for it. Windows are not symmetrically placed or even similar when viewed from the outside; rather their placement was based on the flow of the house, and the needs of the family.
Art For All: William Morris’s Political Activism
William Morris’s philosophies about art and his political beliefs were thoroughly intertwined. He was staunchly opposed to the ugliness of modern visual culture and the ugliness of social injustice. As a socialist activist, Morris believed that the Industrial Revolution, and the resulting rise of capitalism and wage labor, was robbing workers of their creativity, access to art, and quality of life. He was inspired by the advent of Marxism and once declared, “I do not want art for a few any more than education for a few, or freedom for a few.” (Morris, 1882)
Morris helped form the Socialist League in Britain, opening up the coach house at his residence as the meeting place for the group. He also published various writings—from a political manifesto to a soft science fiction novel—about socialism, ignoring colleagues who warned that sharing his polarizing beliefs might negatively affect his success as an artist. However, William Morris’s public political activism actually helped increase the acceptance of socialist ideology in Great Britain and remains a key part of his legacy.
The Artist
Jane Morris is one of the original designers and embroiderers of the Arts & Crafts Movement. In her early life, Morris received little education and would have probably become a laundress like her mother. But after the engagement, she was privately educated to become a gentleman’s wife. She was keen on reading and became proficient in French and Italian. Also, she became a great pianist with a strong background in classical music. Her manners and speech became refined so, later in life, she had no trouble moving in upper-class circles.
Honeysuckle embroidery designed by William Morris, stitched by Jane Morris, c. 1880s, William Morris Gallery, London, UK. Detail. Museum’s website.
Morris moved, with her spouse, to the Red House in Bexleyheath one year after they got married. There, she developed her skills as an embroiderer working with her husband William Morris, and daughter May Morris. They produced designs, embroidery, and textiles. Her work was translated onto stencils for wallpapers, ceilings, furniture, glassware, and metalware. In fact, she was much more than a muse, she created iconic textile designs and embroideries for Morris & Co. The whole PRB was contributing to the creativity of their work and to the company Morris & Co.
Dante Gabriel Rossetti, Blue Silk Dress (Jane Morris), 1868, Society of Antiquaries of London, London, UK. ArtUK.
The Muse
Jane Morris sat mostly for Rossetti. She was also a model for William Morris, who painted her as the tragic Arthurian princess Iseult, during the first months of their friendship, and wrote on the finished canvas “I cannot paint you, but I love you.” We believe that La Belle Iseult is the only oil painting William Morris ever completed.
Jane Morris was Rossetti’s “stunner”, and through time, she became the love of his life. Also, she admitted, after William Morris’ death, that she never loved him, but she also never “gave herself” to Rossetti (he was quite the charmer, read about Rossetti’s women). It seems they were wildly attracted to each other at first sight. Morris first posed as the medieval Queen Guinevere for Rossetti. And after 1862, the year Elizabeth Siddal, Rossetti’s wife, died, they were, even more, gravitating toward each other.
Rossetti’s Proserpine appears to be the image of the culmination of his entwined artistic and erotic fixations. In the four-foot-tall portrait, Morris holds a split pomegranate. The redness of its flesh matches the color of her mouth. According to the myth, Proserpine tried a part of the forbidden fruit and was doomed to spend part of every year in the underworld. Yet, Morris’ usual unsmiling expression, seen in paintings and photographs alike, leaves neither regret nor concern. Instead, Rossetti captures the essence that made this reserved and intelligent woman so captivating as a model: the suggestion of a complicated, closely guarded inner life behind the saturnine composition of her features. Rossetti’s drawings and paintings of Jane are faithful portraitures.
And what about her spouse William? If he suffered from jealousy or insecurity, he mostly kept it very well to himself. He was always kind to Jane, who once praised him as “the most magnanimous, the least selfish of men.”
Dante Gabriel Rossetti, Proserpine, 1874, Tate Britain, London, UK. Museum’s website.
The Pre-Raphaelite Brotherhood
Three rebellious young artists, Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt and John Everett Millais, founded the Pre-Raphaelite Brotherhood in 1848. All three were attending the Royal Academy schools. Consequently, they knew very well the Academy style but wanted to bring change to the art world.
The group sought a return to rich details, intense colors and complicated compositions of 15th-century Italian art. They rejected what they termed the mechanical approach, first adopted by the Mannerist artists who inherited it from Raphael and Michelangelo. Additionally, the PRB particularly considered that the classical poses and elegant compositions of Raphael had a corrupting influence on the academic learning of the arts. Hence the name “Pre-Raphaelite”. The group accepted the concepts of painting history and mimesis, imitation of nature, as the central purpose of art.
As a result, the PRB gathered many great artists of that time. Also, it got together many beautiful women who posed for them. Their most famous muses are probably Elizabeth Siddal and, of course, Jane Morris.
Dante Gabriel Rossetti, Astarte Syriaca, 1877, Manchester Art Gallery, Manchester, UK. ArtUK.
Who was William Morris?
|
Full Name |
William Morris |
|
Born |
March 24, 1834 (Walthamstow, England) |
|
Died |
October 3, 1896 (Hammersmith, England) |
|
Notable Artwork |
Wallpaper and textile design |
|
Movement |
Arts and Crafts |
Born in Walthamstow, East London in March 1834, William Morris was a poet, artist, philosopher, typographer, political theorist, and arguably the most celebrated designer of the Arts & Crafts movement. He strived to protect and revive the traditional techniques of handmade production that were being replaced by machines during the Victorian era’s Industrial Revolution. Although he dabbled in embroidery, carpet-making, poetry and literature, he mastered the art of woodblock printing, and created some of the most recognizable textile patterns of the 19th century.
Portrait of William Morris by Frederick Hollyer via
Born into a wealthy middle-class family, Morris enjoyed a privileged childhood, as well as a sizable inheritance, meaning he would never struggle to earn his own income. He spent his childhood drawing, reading, and exploring forests and grand buildings, which triggered his fascination with natural landscapes and architecture.
Having developed his own particular taste from a young age, he began to realize the only way he could have the beautiful home he wanted was if he designed every part of it himself. As he famously once said, “Have nothing in your houses that you do not know to be useful or believe to be beautiful.”
Тристан и Изольда | Великие художники
Эдмунд Блэр Лейтон «Тристан и Изольда», 1902
Частная коллекция
Прерафаэлитизм
Картина Эдмунда Лейтона «Тристан и Изольда» напомнит вам о бессмертном чувстве любви. Художник запечатлел золотоволосую ирландскую принцессу Изольду и ее возлюбленного британского рыцаря не замечающими ничего вокруг себя.
С момента знакомства их жизнь обретала смысл лишь в те мгновения, когда они видели друг друга.
Но обязательства Тристана перед дядей королем Марком Корнуэльским, для которого он поклялся разыскать Изольду, еще не ведая чар любви, и посватать ее от его имени, не позволили Тристану нарушить клятву. Девушка стала женой короля, так и не сумев заставить свое сердце изменить Тристану. Завистники раскрыли тайну их отношений королю Марку. Не поверил сначала король доносам, но увидев своими глазами Тристана и Изольду вместе(видимо, именно этот момент и изображен на картине) король повелел Тристана и Изольду сжечь на костре. Но не ревность руководила им: он расценил их связь как предательство со стороны любимого племянника и красавицы жены.
Тристану и Изольде удалось избежать казни. Некоторое время они скрывались в лесу. Шалаш из еловых веток стал их домом. Это было для них самое счастливое время…
Впоследствии из признания служанки Изольды король узнал, что они просто не могут не любить друг друга из-за того, что выпили по ошибке волшебный напиток любви, приготовленный матерью Изольды для дочери и будущего зятя короля Марка. И тогда король предоставил Изольде возможность поступать ей по велению сердца.
К тому времени Тристан оказался в смертельной опасности. Ни секунды не раздумывая, Изольда отправилась в путь, надеясь, что ей удастся спасти любимого. Но «доброжелатели» поспособствовали тому, чтобы этого не случилось. Тристан умер с именем Изольды на устах. Застав его мертвым, Изольда легла на ложе рядом с ним, и ее сердце разорвалось.
Каждый может позавидовать такой любви, но далеко не каждый способен ради любви перенести столько мук, что выпали на долю Тристана и Изольды.
Описание картины Сальвадора Дали «Тристан и Изольда» Картины художников
Дали был жутким символистом. Именно символы расставлены на полотна. Здесь также много чего интересного, если учитывать, что Дали просто так свои полотна не писал. Присмотримся к сюжету или даже просто вспомнил ту давнюю историю про этих двух влюбленных, и наверно тогда поймем, почему в 1944 году это полотно появилось в копилке шедевров непревзойдённого Дали.
Шла война. Мучительная, тяжёлая и изнурительная для любого человека, чего уж говорить о художнике. И вот тогда вдруг Дали вспомнил эту легенду о Тристане и Изольде и решил по-своему пересказать. И вот оно, что получилось… В серой пустыне два существа тянутся друг к другу, но вот только один из них несёт в себе смерть, другой – жизнь. Женский образ спрятан под одуванчик и руки женщины сжимают грудь, а на спине корни, то есть мать-Земля. А к ней тянется поцеловать её серое существо,
более напоминающее смерть в плаще – уничтожение, гибель всего того, что дорого человеку. Ведь стоит им только соединиться и жизнь одуванчика закончиться, корни иссохнут, сердце остановится. Вот поэтому этот образ и не тянется к серой массе.
Наоборот, кажется, она и не ждёт поцелуя и готова от него увернуться. Но не получится, уже тянутся костлявые руки, уже притягивает неизбежность.
Дали ловко использовал сюжет и конечно замаскировал всё под символику. Смотрите как это красиво: война (он) и мир (она). Мерзкий поцелуй Иуды и потеря мира близка как никогда. Но костыль, телега и эти прорези света на сером фоне – это всё части определения символа. Но вот какого? То, что прорези света – так это что победа в войне близка. А вот телега с костылём…
Как много повода для размышления даёт эта картина. Сколько можно придумать определений, понятий… и нет уверенности в том, что они будут верны. Дали противоречив, но понять его можно. А порой и нужно.
Прислал: Васильева Светлана . 2017-10-08 21:44:21
дальнейшее чтение
- Марш, Янв (1986). . Лондон: Pandora Press. ISBN 0-86358-026-2.
- Марш, Янв (2000). Джейн и Мэй Моррис: биографическая история 1839–1938 ((обновленное издание, опубликовано автором в частном порядке), изд.). Лондон: Ян Марш.
- Манкофф, Дебра Н. (2000). Джейн Моррис: модель красоты прерафаэлитов . Сан-Франциско: гранат. ISBN 0-7649-1337-9.
- Шарп, Фрэнк К. и Марш, Янв, (2012) Собрание писем Джейн Моррис , Boydell & Brewer, Лондон
- Паркинс, Венди (2013). Джейн Моррис: Бремя истории . Эдинбург: Издательство Эдинбургского университета. Получено 9 марта 2020 г. с сайта www.jstor.org/stable/10.3366/j.ctt3fgtfq.
12 самых известных картин
«Юность Девы Марии» Россетти (1848-49)
Юность Девы МарииДанте Габриэль Россетти
Это произведение считают точкой отсчёта в истории прерафаэлитов. Россетти начал его ещё до знакомства с Хантом и Милле, а завершил с помощью первого. На картине есть первая монограмма Братства. В роли Марии и Святой Анны изображены сестра и мать автора.
«Офелия» Милле (1851-52)
ОфелияМилле
Самая известная картина, созданная прерафаэлитами. На полотне запечатлена лежащая в воде девушка, смотрящая вверх и ожидающая смерти. Это – Офелия, возлюбленная Гамлета. Узнав об убийстве принцем своего отца, она потеряла разум и утопилась. Специалисты отмечают, что Милле удалось мастерски запечатлеть тонкую грань между жизнью и смертью, добавив яркие тона подлинной английской природы.
«Блаженная Беатрикс» Россетти (1864-70)
Блаженная БеатриксРоссетти
Муза Данте Алигьери сложила руки в ожидании момента смерти. В образе Беатриче Россетти запечатлел свою умершую любовь Элизабет Сиддал. Так мастер в течение 6 лет оплакивал утрату, обращая это чувство в картину.
«Портрет Элизабет Сиддал» Россетти (1854)
Портрет Элизабет СиддалРоссетти
А это произведение было написано, когда возлюбленная Россетти ещё жила и здравствовала. Небольшой портрет девушки, что сложила руки у подбородка и задумчиво смотрит вниз, выполнен акварелью по бумаге.
«Свет мира» Ханта (1853-54)
Светоч мираУильям Холман Хант
В сумерках Иисус в длинном светлом одеянии стоит со светильником в руке и стучит в дверь. Луна за головой Спасителя образует нимб. Аллегория понятна: дверь – чёрствое сердце, до которого Бог пытается донести свет.
«Прощание с Англией» Брауна (1852-55)
Прощание с АнглиейФорд Мэдокс Браун
В бесконечно тоскливых лицах двух героев отражена вся боль, связанная с эмиграцией. Они сидят на борту корабля, за спиной скалы британского берега. Неизвестно что ждёт этих людей на чужбине. В качестве героев Браун запечатлел себя с женой.
«Леди из Шалот» Уотерхауса (1888)
Волшебница ШалотДжон Уильям Уотерхаус
Очаровательная рыжая девушка плывёт в лодке с гобеленом на борту и поёт невесёлую песнь. Уотерхаус пересказывает поэму, основанную на средневековых легендах об Артуре.
«Долгая помолвка» Хьюза (1854-59)
Долгая помолвкаАртур Хьюз
Парень со своей возлюбленной стоит у дерева, задумчиво устремив взор вверх. Девушка пытается приободрить его. Картина выдержана в традициях романтизма.
«Гилас и нимфы» Уотерхауса (1896)
Гилас и нимфыДжон Уильям Уотерхаус
На полотне запечатлены сцены из греческой и римской мифологии. Аргонавт Гилас склонился над озером набрать воды, но его берут в плен наяды-русалки.
«Мариана» Милле (1851)
МарианаДжон Эверетт Милле
Героиня пьесы Шекспира, тоскующая за возлюбленным, встала со стула и держится за поясницу. Окно её украшают красивые витражи. Милле вместил в эту позу Марианы, кроме печали, сексуальное желание.
«Подружка невесты» Милле (1851)
Подружка невестыДжон Эверетт Милле
Гостья с роскошными длинными волосами сидит за свадебным столом и смотрит прямо в глаза. Во взгляде её заметна одновременно робость и чувственная страсть.
«Осенние листья» Милле (1856)
Осенние листьяДжон Эверетт Милле
На фоне прекрасного осеннего заката юные девушки собирают листья в высокую кучу, чтобы развести костёр. Огня не видно, но, судя по струе дыма, он уже зажжён. Милле вложил в картину настроение ностальгии и проходящего времени.