Мистический цвет Пикассо
На рубеже XIX–XX веков по миру прошла волна символизма, увлекая за собой писателей и художников. Тексты наполнились метафорами и сравнениями, а картины голубым светом — ведь как еще можно выразить грезу или смутные предчувствия?
У Пабло Пикассо, недавно прибывшего в Париж, появилась целая серия голубых работ, в которых он делился личными переживаниями. Холодный колорит его картин и обилие мрачных персонажей соответствовали его восприятию мира в тот период жизни. В первые годы после переезда закончил жизнь самоубийством его близкий друг Карлос Касагемас, да и у самого Пикассо дела шли неладно: в столице мирового искусства, которую он жаждал покорить, не получалось продать ни одной картины. Возможно, эти неурядицы и подтолкнули художника к созданию самых неоднозначных образов, которые когда-либо появлялись в его творчестве.
Самой загадочной работой из голубой серии стала «Жизнь». На ней изображен недавно умерший Касагемас в окружении женских фигур-аллегорий: любви, материнства, страха перед будущим. Чтобы придать работе мистический характер, Пикассо использует синий цвет как трансцендентный, не давая зрителю прямого ответа на вопрос «как понять эту картину?».
Жизнь, Пабло Пикассо, 1903 г.
Немногим позже в России несколько художников-символистов объединились и создали группу «Голубая роза». Из названия понятно, какой цвет они избрали главным для своих работ.
В отличие от Пикассо они старались дематериализовать образ, создавая «размытые» формы и неясные очертания, за что современники даже называли их живопись «чистой водой». Созерцание полотен с неоднозначными для восприятия сюжетами подобно медитации: они погружают зрителя в себя и заставляют фантазировать, помогая таким образом забыть о суете будничной жизни.
Голубой фонтан, Павел Кузнецов, 1905 г. Источник
Описание картины Большие купальщицы – Пьер Огюст Ренуар
Картину “Большие купальщицы” Огюст Ренуар писал около четырех лет, с 1883 по 1887. Художник был прославленным женолюбом и большим ценителем красоты женского тела, всегда старался донести до зрителей это чувство прекрасного.
Данная работа является, пожалуй, самой выразительной и популярной в коллекции художника. Конкретно над этой картиной Ренуар трудился не один год, рисуя один за одним черновые варианты, создавая наброски и эскизы. Он заранее детально проработал образ и тело каждой героини, доведя каждую из них до идеала; их тела и вправду выглядят потрясающе.
Огюст Ренуар никогда не скрывал своей увлеченности женщинами. Идеалом красоты он считал пухленькое тело и объемные женские формы, которые также являлись признаком зрелости девушки и ее готовности к любви.
На данной картине изображены три обворожительные обнаженные молодые девушки, отдыхающие на берегу водоема. Две из них уже вышли из воды и нежатся под теплым ласковым солнцем
Девушек нельзя назвать стройными, но именно к их пухленьким нежным телам приковывается все внимание зрителя
Они принадлежат как раз к тому самому возрасту, когда они становятся желанными и начинают желать сами. Каждая из девушек, конечно же, догадывается о своей красоте и порой сами любуются своими очаровательными формами.
Третья девушка еще находится в воде. Если внимательно ее рассмотреть, можно заметить, что она гораздо моложе двух других купальщиц, ее пора еще не настала. Она еще не созрела и в ней еще горит огонек детского задора. Девочка держит руки в воде, желая обрызгать своих подруг, сидящих на берегу.
Она, как и все дети, хочет поскорее повзрослеть, поэтому старается больше времени проводить со взрослыми девушками, думая, что это поможет ей почувствовать себя старше. На заднем плане можно увидеть двух девочек, которые еще моложе. Их детская стройность намеренно осталась на заднем плане, не привлекая к себе внимания.
Она не раз работала натурщицей у Ренуара, после чего, вдохновленная его творчеством, сама стала известным художником. По ее же стопам пошел ее сын.
(2 votes, average: 2.50
Детство и юность
Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года. Его родным городом являлась расположенная на юго-западе Франции коммуна Лимож. Художник был шестым ребенком из семи детей небогатого портного Леонарда и его жены, швеи Маргариты
Несмотря на то, что семейство едва сводило концы с концами, родителям хватало времени и любви на то, чтобы оделять вниманием и нежностью каждого из своих отпрысков
Художник Огюст Ренуар
В детстве Пьер был нервным и впечатлительным мальчишкой, но Леонард и Маргарита сочувственно относились к чудачествам ребенка. Отец прощал сыну, когда Огюст утаскивал у него карандаши и портновские мелки, а мать – когда он рисовал на стенах дома. В 1844 году Ренуары переехали в Париж. Здесь Огюст поступил в церковный хор при большом соборе Сент-Эсташ.
Регент хора Шарль Гуно, услышав пение Огюста, на протяжении пары недель пытался убедить родителей отдать будущего автора картины «Девушка с веером» в музыкальную школу. Однако в итоге Пьер иллюзорному миру звуков предпочел живопись. Леонард отдал наследника на фабрику «Леви Бразерс», занимающейся изготовлением продукции из фарфора, когда тому исполнилось 13 лет. Там мальчик научился рисовать, украшая тарелки, горшки и вазы изображениями, выходившими из под его кисти.
Фотопортрет Огюста Ренуара
Когда в 1858 году компания обанкротилась, юный Ренуар, находясь в поисках иных источников дохода, раскрашивал стены кафе, жалюзи и навесы, копируя работы художников эпохи Рококо – Антуана Ватто, Жана Оноре Фрагонара и Франсуа Буше. По мнению биографов, этот опыт повлиял на последующее творчество графика.
Именно произведения мастеров XVIII века пробудили в авторе картины «Роза» любовь к ярким цветам и неброским линиям. Вскоре Огюст осознал, что его амбициям тесно в рамках подражательной работы. В 1862 году он поступил в школу изящных искусств. Его наставником стал швейцарский художник Марк Габриэль Шарль Глейр, придерживающийся при создании картин академической традиции рисования.
Огюст Ренуар в молодости
Согласно этой традиции, произведения пишутся исключительно на исторический или мифологический мотив, а в изобразительной палитре преобладают только темные цвета. Такие холсты жюри Салона принимало на ежегодную официальную выставку, которая давала возможность заявить о себе начинающим живописцам. Во время обучения Ренуара в академии, в мире искусства Франции назревал переворот.
Художники Барбизонской школы живописи все чаще изображали на своих полотнах явления повседневной жизни с использованием игры света и тени. Также именитый реалист Гюстав Курбе во всеуслышание заявил, что задача живописца заключается в отображении реальности, а не идеализированных сцен в академическом стиле. Ренуар, также как и его приятели — сокурсники Клод Моне и Альфред Сислей, знал о царящих в воздухе революционных настроениях.
Огюст Ренуар
Однажды товарищи, чтобы обозначить свою позицию, во время занятий, без разрешения Глейера вышли на улицу и стали рисовать под открытым небом все то, что их окружало. В первую очередь начинающие художники пришли в лес Фонтенбло. Это место на протяжении 20 лет воодушевляло импрессионистов на написание шедевров. Там Ренуар познакомился с жанристом Гюставом Курбе, чье влияние видно в картине 1866 года «Харчевня матушки Антони». Холст, изображавший неидеализированную, повседневную сцену жизни, стал символом отказа Огюста от академической традиции рисования.
«Танец в Буживале»
Кратко описание картины
В 1883 году Ренуар написал три картины, изображающие танцующие пары — «Танец в городе», «Танец в Буживале» и «Танец в деревне». Эти картины как бы приближают к зрителю сюжет, использованный в более ранней картине художника «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876) — но теперь вместо множества танцующих пар художник в каждой картине концентрируется на одной паре, выписывая её во всех подробностях.
Замысел картины «Танец в Буживале» владел Ренуаром достаточно долго. В собрании графики венского музея Альбертина есть рисунок, помеченный 1880 годом, почти в точности изображающий композицию картины и в первую очередь рисунок танцующей пары.
Буживаль — западное предместье Парижа (вниз по течению Сены) — во второй половине XIX века стало излюбленным местом отдыха не только парижан. В год написания картины там умер Иван Тургенев, который пережил в Буживале самые прекрасные годы своей любви. В наше время Буживаль называют «колыбелью импрессионизма», поскольку, кроме Ренуара, здесь работали на пленэре и другие видные импрессионисты (Моне, Сислей).
Удивительным образом, смазав фоновое изображение посетителей ресторана, художник добивается такого желанного для всех импрессионистов эффекта движения, танцевального вихря.
Автор точно передает внутреннее состояние пары танцоров. Опытный ловелас уверенно и страстно обнимает стан не менее опытной кокетки. Достойные партнеры украшают танцевальную площадку пригородного ресторана показной страстью и точными движениями. Зритель убежден, что это далеко не первый танец этой пары. Оба играют в некую игру, правила которой понимают по-своему.
Цветовое решение работы очень метко и правильно характеризуют героев. Словно женское и мужское начало сплелось в единый энергетический клубок: красный и розовый контрастируют с синим и желтым, румянец на лицах партнеров придает танцу быстроту и динамику. Вся картина — движение..
Мужчина одет во все темное, его брюки, куртка и простая блуза написаны густыми синими красками, которые приобретают глубокие бархатистые оттенки в обрамлении канареечных цветов, окрашивающих его головной убор и грубые туфли.
На девушке светло-сиреневое, почти белое, платье, как раз этим нежным сиреневым отливом еле уловимо перекликающееся с темными красками костюма партнера. Почти прямая вертикальная линия обозначает границу сочетания их нарядов, и вокруг этой воображаемой оси закручиваются пышный подол женского платья и отлетевшая пола мужской куртки.
Легкость, пикантность, движение — главные составляющие атмосферы этой работы. Зрителю передается настроение работы, ее позитивный заряд и гармония.
Мари-Клементина Валадон, позировавшая художнику в образе танцующей девушки, а через два года, в 1885 году, послужившая моделью для портрета Ренуара «Косы», хранящегося сейчас в частном собрании в Швейцарии, имела довольно типичную для женщины Монмартра и вместе с тем необычную судьбу, которая вывела ее в ранг известных французских художниц.
Дочь белошвейки и неизвестного отца она появилась в Париже, когда ей не было и пяти лет, трудно и бедно жила со своей матерью, зарабатывавшей уборкой квартир. Проучившись немного в религиозной школе, она затем работала в швейной мастерской, была нянькой, подавальщицей, торговкой овощами. Полюбив цирк, в пятнадцать лет она стала акробаткой в цирке Молье. Однажды, исполняя номер, она сорвалась с трапеции и упала на арену. С цирком пришлось распрощаться навсегда.
С детства Мари Валадон рисовала и мечтала попасть в среду художников. Помогая матери разносить белье из прачечной клиентам, она познакомилась с одним изних, Пюви де Шаванном, и стала натурщицей.
Судя по портретам Ренуара, в особенности на картине «Косы», Мари-Клементина Валадон была очень красивой девушкой с прекрасными густыми волосами и стройной фигурой, а ее поразительное, при том что она была натурщицей и моделью, упорство и трудолюбие превратили ее склонность к рисованию в подлинный художественный талант. Сюзанна Валадон стала известной художницей, и кто знает, может быть, восторженный взгляд Ренуара, представивший ее прелестной и очаровательной девушкой на своих картинах, укрепил ее дух и веру в себя, в свои силы, в свое призвание.
Алина Алексеева-Маркезин
Х
Использование материалов допускается с условием размещения ссылки на страницу:
«Танец в Буживале»Также можно бесплатно скачать файлы «Танец в Буживале» на странице сайта!
Если Вам понравилась публикация-поделитесь в соцсетях
Биография
Он родился в Грассе (в регионе Приморские Альпы ) в семье портного, специализирующегося на пошиве перчаток. Когда ему было шесть лет, семья переехала в Париж . Из-за неудачных вложений семья столкнулась с финансовыми трудностями, и отец решил отправить его в нотариальную контору клерком; но вскоре обнаружилась его склонность к искусству.
Молодой Жан-Оноре предстал перед Франсуа Буше , который признал его способности, но не хотел тратить свое время на первое обучение. Буше отправил его в мастерскую Шардена . Полгода Фрагонар учился под руководством великого люминиста, добился заметных успехов и вернулся в мастерскую Буше, который тогда ощутил свою ценность. Там Фрагонар сумел усвоить стиль своего мастера таким образом, что доверил ему изготовление копий своих картин.
Хотя Фрагонар не был выпускником Академии, он получил Римскую премию в 1752 году, что позволило ему посетить Рим, субсидируемый Французской Королевской академией скульптуры и живописи, с его картиной « Иеровоам, приносящий жертву идолам ». три года в мастерской Шарля-Андре ван Лоо . За год до своего отъезда в Рим он написал картину « Христос, омывающий ноги апостолам», которая сейчас находится в соборе Грасса.
Уже в 1756 году он отправился в Италию в компании Юбера Робера , этот визит был ключевым, поскольку во время своего пребывания в Риме он смог полюбоваться романтическими садами с их фонтанами, храмами и террасами, где он задумал декорации, которые позже запечатлеть в своих произведениях. На его творчество также повлияла витиеватая роскошь Джованни Баттиста Тьеполо , работы которого он имел возможность изучить в Венеции до своего возвращения в Париж в году .
В 1765 году его работа Coreso y Calírroe ( Музей Лувра ; эскиз в Мадриде, Академия Сан-Фернандо ) обеспечила ему поступление в Академию. Работа получила высокую оценку Дидро и была приобретена королем, который воспроизвел ее. До этого момента Фрагонар колебался между религиозными, классическими и другими темами в своих произведениях, но в это время спрос короля Людовика XV на узоры, изображающие сцены любви и удовольствия при дворе, направил тему его произведений. любви и сладострастия, с которыми ассоциируется имя художника. Красота цветов, а также виртуозность простой компоновки его работ выделяются из его стиля. Известные работы включают «Качели » (Лондон, коллекция Уоллеса ), «Болт », «Украденный поцелуй », «Купальщицы », а также украшения комнаты для мадам дю Барри и танцовщицы Мари Гимар .
Более полувека его полностью игнорировали, до такой степени, что Вильгельм Любке в своей «Истории искусства» (1873) даже не упоминает его имени. Позднее его повторное открытие означало его утверждение среди мастеров живописи.
The Swing
- Date created: 1767
- Dimensions: 81 × 64.2 centimeters (31.8 × 25.2 inches)
- Location: Wallace Collection, London, United Kingdom
The Swing is not only one of the most famous paintings by Jean-Honoré Fragonard, but it’s also considered to be one of the ultimate masterpieces of the Rococo era. It depicts a woman on a swing that is set in motion by an old man behind her.
A young man can be seen in the bottom left corner situated in such a position that he can see into her dress. As she flies in the air, she kicks her left foot so her shoe is seen flying into the air. This painting perfectly depicts the sense of motion often used in Rococo, as well as the subtle eroticism.
The Swing by Fragonard / Wiki Commons
Описание картины Жана Оноре Фрагонара «Поцелуй украдкой»
Фрагонар действительно любил фантазировать. Его творческий темперамент поистине огромен.
Перед нами характерная для живописца картина. В ней можно почувствовать те противоречия, которые чудесным образом сосуществовали в творчестве мастера.
Складывается впечатление, что сюжет продиктовали аристократы, которые любят живописи. Мы видим блеск и чувствуем веселое настроение, царящее в этом произведении. Но это не лишает сцену правдивости. Складывается впечатление, что художник стал нечаянным ее свидетелем.
В гостиной собрались гости. Девушка выходит всего на минуту, так как она забыла шарф. Юноша специально подстерегал ее. Она оказывается в его жарких объятиях. Во всем изображенном чувствуется движение и глубокое чувство.
Фрагонар старается передать всевозможные предметы и уделить максимум внимания их фактуре. Шелк платья он прописывает до мелочей, правдиво и тщательно. С таким же мастерством изображены шарф и полированная поверхность стола. Во всех мазках можно почувствовать невероятную любовь к всевозможным проявлениям жизни. Они настолько сочны и колоритны, что картина кажется объемной. Зрителю кажется, что еще немного и герои этой легкой сценки оживут.
Фрагонар создает картину в необычной для себя манере. Все дело в том, что писал он ее в поздний период. В это время в моду входит классицизм. Он требовал максимально четких силуэтов и линий, а также сдержанности в плане цвета. Фрагонару был чужд данный стиль, но его влияние все же можно в какой-то мере ощутить.
Фрагонар смог запечатлеть мимолетный поцелуй, который как будто украден. Повседневная сценка стала настоящим шедевром. Художник смог передать свое представление о любви. Столь мастерски переданная ничем, казалось бы, непримечательная сценка обретает глубину.
Реакция публики на портрет была неоднозначной
Портрет был написан, когда вкусы публики стали меняться. Спрос по-прежнему был велик на декоративную, прилизанную живопись. На сентиментальные сюжеты. Так, был очень популярен Огюст Тульмуш. Чтобы художник написал ваш портрет, нужно было прождать несколько лет.
Огюст Тульмуш. Любовное письмо. 1863 г. Частное собрание. Wikimedia.commons.org
Очередь за портретом к Ренуару не выстраивалась. Но у импрессионистов стали появляться первые почитатели. Это были люди незаурядные. Как, например, Анри Лероль или Анри Руар. Обеспеченные буржуа с тонким вкусом, которые сами были художниками-любителями.
В 1877 Ренуар выставил свою Жанну Самари на третьей выставке импрессионистов. Конечно, картину ругали. Немало было насмешек, ведь “руки женщины словно покрыты чешуёй”.
Наверняка многие бы попадали в обморок, если бы Ренуар осмелился выставить другой портрет Жанны. Этот этюд очень смелый в исполнении. Даже по нынешним временам.
Пьер-Огюст Ренуар. Жанна Самари. 1878 г. Национальная галерея Вашингтона, США. nga.org
Но было и много восторгов. Самый знаменитый из них принадлежит критику Луи Леруа «В блюдо из красок входит ваниль, красный крыжовник и фисташки. Этот портрет можно есть ложкой!”
Последние годы
Танец в городе 1883 г.
Ренуар всю жизнь часто болел простудами. В 1888 году невралгия парализовала часть лица – пришлось долго лечиться. В 1897-м он катался в дождь на велосипеде, последовав примеру своих молодых коллег, которые к Ренуарам часто приезжали на велосипедах, и неудачно упал – перелом правой руки стал настоящим несчастьем. Пришлось учиться писать левой, к счастью, во всём помогали Алин и Габриэль. Но падение всё-таки принесло роковые перемены – выявился артрит, сопровождаемый постоянными болями и угрозами неподвижностью. Но Огюст Ренуар, человек хрупкий физически и невероятно сильный духом, жаждал жизни и творчества. Семья боролась – Алин вывозила знаменитого мужа на целебные воды Германии, Франции, на Средиземноморье, пытаясь найти подходящий ему климат. В конце концов купили виллу Колетт на юге Франции (в тех местах сегодня вилла Пьера Кордена), куда часто приезжали друзья. А мастер был прикован к креслу и не переставал работать.
На Первую мировую в 1914-м ушли старшие сыновья Пьер и Жан. Через год умерла Алин. Оба сына были ранены, но вернулись живыми.
С каждым днём работать было всё труднее. До последних минут своей жизни он писал. Умер 2 декабря 1919 года, закончив натюрморт с анемонами и даже, говорят, успев распорядиться относительно его размещения.
Он хотел стать певцом
Пьер Ренуар родился 25 февраля 1841 года на юге Франции. В детстве он брал уроки пения у хормейстера местной церкви: у мальчика был отличный голос, однако из-за финансового положения своей семьи ему пришлось отказаться от попыток добиться успеха в данной области.
Кто знает, увидели бы мы его картины, если бы он не отказался от своей первоначальной цели. Однако даже тогда, наверное, мы бы говорили о Ренуаре как об одном из великих музыкальных исполнителей своего времени.
Разработайте программы индивидуального наставничества: будущее для бизнеса 2023
Описание очень расплывчато: признаки, что политика гибкого графика работы — ложь
Главное — изучить его характер: как сработаться с боссом-перфекционистом
То, что Ренуар обладал даром художника, было заметно с самого раннего возраста. Чтобы помочь своей семье, 13-летний Огюст научился расписывать фарфоровые изделия: благодаря этому он стал еще более известным.
Rococo Painting
Following the extravagance and power of Baroque art came the lighthearted and flirtatious Rococo movement, which blossomed in 18th-century France before spreading to other European countries. The term Rococo derives from , a method of decoration using pebbles, seashells, and cement to adorn grottoes and fountains in the Renaissance. During the 1730s, the rocaille decoration inspired scrolling curves in ornamental furniture and interior design.
In painting, this decorative style transferred to a love of whimsical narratives, pastel colors, and fluid forms. Both in aesthetics and subject matter, The Swing was clearly a work of this newer era of Rococo art.
Jean-Honoré Fragonard, “The See-Saw,” 1750-5 (Photo: Wikimedia Commons)
Контекст
Мастерская художника, улица Висконти , 1867, Музей изящных искусств Вирджинии , Фредерик Базиль.
В 1866 году Пейзаж с двумя персонажами Ренуара был отклонен в
Салоне . В это время художник испытывал серьезные финансовые трудности, вынуждая его оставаться в квартире Альфреда Сислея , недалеко от Порт Майо , до тех пор, пока последний не жил вместе со своим партнером. В том же году он был размещен в большой мастерской, арендованной Фредериком Базилем на улице Висконти, 20 в Париже, чье финансовое благополучие обеспечивалось регулярными денежными переводами от родителей. Базиль также указывает на это своему отцу: «Я оказываю гостеприимство одному из моих друзей, бывшему ученику Глейра, у которого сейчас нет мастерской. Ренуар, так он себя называет, очень трудолюбивый, он пользуется моими моделями и даже помогает мне частично оплачивать их. » Двух художников связывает крепкая дружба, которая служит творческим союзом, которому способствует близость их живописных исследований. Эта дружба зародилась в студии Чарльза Глейра , где они познакомились с Сислей и Моне.
В начале 1867 года Базиль также радушно пригласил Клода Моне в свою мастерскую. Он написал это своей матери: «Со времени моего последнего письма появилась новая улица Висконти. Моне упал мне с неба с коллекцией великолепных картин, которые будут иметь наибольший успех на выставке. Он будет спать со мной до конца месяца. Вместе с Ренуаром я поселил двух нуждающихся художников. Это настоящий лазарет. Я в восторге, у меня достаточно места, и они оба очень счастливы. »
Jeroboam Sacrificing to Idols
- Date created: 1752
- Dimensions: 111.5 x 143.5 centimeters (43.9 × 56.5 inches)
- Location: Académie des Beaux-Arts, Paris, France
Jeroboam Sacrificing to Idols is a historical painting that allowed Fragonard to win the prestigious Grand Prix de Rome, a prize that earned him a scholarship to Rome. He was just 20 years old when he was awarded this remarkable prize.
What’s even more fascinating is that he didn’t receive academic training at the Académie royale de Peinture et de Sculpture, the institution that awarded this prize. It’s also clear from this work that he completely switched his style after falling in favor of the court of Louis XV.
Jeroboam Sacrificing to Idols by Fragonard
Выставки
- Фрагонар, провансальский в Нидерландах , Грасс , вилла-музей Жана Оноре Фрагонара , с 1 июля по30 сентября 2016 г..
- Жан-Оноре Фрагонар, рисунки из Лувра , Парижа , Музея Лувра ,3 декабря 2003 г. в 8 марта 2004 г..
- Фрагонар, удовольствия века , Париж, музей Жакемара-Андре ,3 октября 2007 г. в 13 января 2008 г..
- Ле Фрагонар де Безансон , Музей изящных искусств и археологии Безансона ,8 декабря 2006 г. в 2 апреля 2007 г..
- Дизайнер Фрагонара , Музей изящных искусств Кана ,17 октября 2009 г. в 18 января 2010 г.. Другое название — выставка Безансона в 2006-2007 годах.
- От Ватто до Фрагонара, галантных фестивалей , Парижа, музея Жакемара-Андре , от14 марта в 21 июля 2014 г..
- Влюбленный Фрагонар , Париж, Люксембургский музей ,16 сентября 2015 г. в 24 января 2016 г..