Богемная жизнь
В то время, когда весь Нью-Йорк гадал, кто же кроется за псевдонимом SAMO, Жан-Мишель Баския без устали творил. Живя то с одной, то с другой девушкой, он превращал квартиру каждой в произведение экспрессионистского искусства, разрисовывал одежду, которую приятели молодого человека затем выставляли в своих шоурумах, и, конечно, делал открытки. Одну из них он умудрился продать своему кумиру и будущему другу — художнику .
Жан-Мишель был катастрофически беден, и денег на материалы для живописи у него не было — так что поверхностью для его произведений могло стать даже то, что другим казалось обыкновенным мусором.
После ухода из дома Баския стал много времени проводить в андеграундных клубах Нижнего Манхэттена, популярных среди творческой молодежи. Чаще всего он зависал в Club 57, CBGB и Mudd Club, где проходили не только вечеринки, но и различные шоу, концерты, перфомансы и спектакли.
Вскоре Жану-Мишелю, который был страстным любителем джаза, надоело быть только наблюдателем, и он предложил одному из своих знакомых создать собственную группу. Ее участниками стали энтузиасты, обожавшие музыку, но совершенно не умевшие играть на инструментах. Каждый раз они «импровизировали» на сцене, и благодаря своему оригинальному подходу стали популярными среди молодежи. В итоге коллектив под названием Gray (название Баския позаимствовал у медицинского пособия, поразившего его в детстве) просуществовал до 1981 года, когда Жан-Мишель решил полностью сосредоточиться на карьере художника.
В конце 1970-х Баския стал ярким представителем андеграундной творческой тусовки и постоянно общался с другими ее членами. Работая над граффити SAMO в окрестностях Школы визуальных искусств, он познакомился со студентами-художниками Китом Харингом, Кенни Шарфом и Джоном Сексом. Вечеринки в излюбленных местах свели Жана-Мишеля с солисткой Blondie Дебби Харри, режиссером Джимом Джармушем, актрисой Энн Магнусон, актером Дэнни Розеном и другими талантливыми сверстниками. Старшие посетители клубов снисходительно называли их «baby crowd» — «толпой детей», но вскоре оказалось, что эти дети могут дать фору «старикам».
Джон Секс, Жан-Мишель Баския и Кит Харинг в группе AREA, 1985
В 1979 году приятель Баския, писатель и журналист, Гленн О’Брайен создал сценарий фильма о бездомном художнике и пригласил Жана-Мишеля исполнить в нем главную роль. Это было огромным везением: в студии, где шла работа над лентой, Баския мог спокойно писа́ть, а еще создатели картины обеспечили живописца материалами для творчества. После съемок Дэбби Харри, которая также играла в фильме, за 200 долларов купила работу Жана-Мишеля, что стало первой крупной продажей произведения художника. Следующая карьерная ступенька стала решающей в его жизни.
На съемках фильма Downtown 81 c Жаном-Мишелем Баския
Warrior, 1982
“Warrior” speaks a distinct visual language. It’s full of raw emotion, its creation seemingly done in a burst of spontaneous inspiration. Look closer. The backdrop is a riotous blend of yellow and blue, applied vigorously with a brush. It creates a vibrant setting for the subject, outlined in spray paint and oil stick. Basquiat then fills the figure in with hurried sweeps of acrylic, enhancing its intense energy.
This painting challenges conventional perspective. The figure seems to blend into the ground, amplifying the warrior’s explosive force. The central figure is a commanding gladiator, holding up a sword flauntingly, truly embodying the warrior spirit.
“Warrior’s” unique allure set a record-breaking sale of $41.7 million at a 2021 Christie’s auction in Hong Kong – the highest price ever achieved for a Western artwork in Asia. Proof, indeed, of the enduring fascination with Basquiat’s genius.
Warrior by Jean-Michel Basquiat, 1982, Christie’s
Boy and Dog in a Johnnypump, 1982
“Boy and Dog in a Johnnypump” is not just a painting, it’s a piece of history. The canvas looms large at 14 feet wide and 8 feet high. The central figures – a skeletal boy and his dog – command your attention. They stand at the center, playing in the spray from an open fire hydrant. “Johnnypump” is New York slang for an open fire hydrant, giving city kids a fun, refreshing summer escape. Take a look at the color palette. The warm array of reds, orange, and yellows capture a scorching summer’s day.
This artwork fetched a cool $100 million in 2020. It ranks as Basquiat’s second most expensive work, only losing the top spot to his “Untitled” (1982) that sold for a jaw-dropping $110.5 million in 2017.
Boy and Dog in a Johnnypump by Jean-Michel Basquiat, 1982, Private Collection
What about his work?
Basquiat’s work is considered to fall within the Neo-Expressionism movement. Neo-Expressionism erupted in the 1980s in reaction to minimalism and conceptual art. Essentially, Neo-Expressionism is characterised by a rough handling of material, which is exactly the way Basquiat approached his art.
Thematically, Basquiat drew inspiration from his upbringing and heritage. As a young Black man living in New York in the 1980s, he turned to his art to criticise the histories of colonialism and racism pertaining to African Americans. These criticisms, as well as those on wealth and poverty, are not communicated overtly but instead through motifs. Arguably the most iconic of these are his crowns which serve as criticisms of class and race but also a symbol of Basquiat’s own status.
When Basquiat was young, he was involved in a car accident which left him in the hospital for some time. For entertainment, his mother gifted him Gray’s Anatomy, which sparked his fascination with dissection and reconfiguration. As a result, he spent much of his career thinking about and looking at «history as a cadaver that could be deconstructed and reanimated to suit us». These ideas can be seen through his motifs of feet and different elements of the human body.
Untitled (Skull Painting), 1981
“Untitled (Skull Painting)” shows typical Basquiat bravura. Created at the age of twenty, it reveals early canvas magic. Unlike speedy sketches, this artwork took months to complete. In the painting, inner and outer life clash. The jaw, like a skull, bears exposed teeth. Yet, eyes, ears, and hair hint at a living being. Intriguing areas within the skull imply a facial perception. It’s as if we glimpse both inside and out – a vision alive yet lifeless.
The deep, black skin frames the vivid yellow jawbone and orange teeth. Despite this color pop, the piece radiates a dismal aura. Through Basquiat’s “Untitled”, we see the morbid, yet vibrant, duality of life and art.
Untitled by Jean-Michel Basquiat, 1981, The Broad
Cadillac Moon, 1981
“Cadillac Moon” is a prime example of Jean-Michel Basquiat’s early artistic brilliance, painted in 1981. This unique artwork came about as a side product during the production of “Downtown 81”, a film mirroring Basquiat’s own struggle as a burgeoning artist and musician. Basquiat effectively used the paint and canvases provided by the production to create pieces that were showcased as his character’s works in the movie.
“Cadillac Moon” fascinated Blondie’s Debbie Harry so much that she acquired it for $200 after the film’s completion. The painting reflects a restless rhythm, just like a chaotic TV show. In it, a fleet of TV screens featuring varied faces consumes the right side, while an abstractly rendered Cadillac holds fort in the upper left corner.
Basquiat showed a playful mockery towards his SAMO tag, crossing it out, then subtly hinting at African-American baseball star, Hank Aaron. This painting marked Basquiat’s significant transition from gritty street artist to gallery sensation – a substantial shift in his career. It distinctly showcases Basquiat’s early trials, evolving style, and the dynamic New York art scene of the early ’80s.
Cadillac Moon by Jean-Michel Basquiat, 1981, Private Collection
Now’s the Time, 1985
“Now’s the Time” marked a turning point in Basquiat’s career. These three words, now synonymous with his work, shout his arrival at the pinnacle of international acclaim. This piece hits home instantly, crossing all boundaries with an impact that feels as fresh today as it did in 1985.
In these three words, Basquiat lays claim to his own moment in history. He aligns himself with the roster of celebrated Black artists he admired. “Now’s the Time” – a phrase that has become iconic in relation to his work, underlines the innovative power of his then groundbreaking, now recognized artistic style. This is Basquiat saying, “Now is always the time”.
The artwork shows Basquiat moving from the vibrant, chaos-loaded style of his street art to a more refined composition. He scrawls an array of inscriptions on a stark, phantom black wood backdrop. “Now’s the Time” exudes an invisible magnetic pull, drawing the viewer into Basquiat’s ultimate expressive world. A world that celebrates the timeless allure of bebop and jazz, transfixing us with the same sensational ecstasy as Basquiat himself must have felt while creating it. In essence, “Now’s the Time” isn’t just a message from Basquiat’s era, it echoes and resonates into the present, reminding us that great art is always relevant.
Now’s the Time by Jean-Michel Basquiat, 1985, Private Collection
A Pivotal Work
An artwork of ground-breaking importance, Warrior was painted in 1982, at the height of Jean-Michel Basquiat’s artistic power. A commanding and authoritative portrait, it solidifies his reputation as one of the most important painters of the last half century.
Considered one of the artist’s finest creations, Warrior is part of a series created on panel in 1981-82, including La Hara and Irony of Negro Policeman. A masterful example of when Basquiat’s artistic language reached maturity, it is permeated with the raw, exuberant energy that characterizes the works created in this period.
A semi-autobiographic work, Warrior comments on the inequality in the socio-political environment and the absence of representation of black people in art history. Its subject is brutality, with the artist having the threat of state violence in mind when he made it. Created with acrylic, oilstick, and spray paint on a wood panel, the work features a powerful warrior in full length, wielding his silver sword. The figure’s penetrating eyes, one colored red, the other blood-orange, stare directly towards the viewer. The Christ-like, gladiatorial figure is a crucial subject extensively explored by Basquiat in numerous sketches prior to this work, as part of the artist’s attempt to redefine the expectations and realities of heroes, saints, and warriors.
This work celebrates a new generation of Black contemporary musicians, athletes, and civil rights figures, who all became warriors to Basquiat. As the artist himself once explained, he painted «royalty, heroism, and the streets». As Cristian Albu, Christie’s co-head of post-war and contemporary art, Europe, explains, «you see the anger, you see everyday street life.»
The work was first exhibited at Akira Ikeda Gallery, Tokyo, in 1983, which makes the upcoming auction in Asia as something of a homecoming for the picture. The work eventually traveled to exhibitions in Paris, Vienna, and Milan and was featured in numerous important Basquiat publications. It was among the centerpieces of the 2019 blockbuster exhibition Jean-Michel Basquiat at the Brant Foundation Art Study Center in New York City.
Installation view, Akira Ikeda Gallery, Tokyo, Jean-Michel Basquiat, 1983, showing (left to right) Untitled (1982) and the present work. Photo: Akira Ikeda, 1983. Artwork: Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
НАЙТИ ДОКТОРА
Все видео
Новостная лента
-
Акции холдинга Уоррена Баффета рухнули почти на 100% из-за сбоя на NYSE
Цена акций Berkshire Hathaway обрушилась на 99,97% по сравнению с уровнем закрытия пятницы. Сбой в работе Нью-Йоркской биржи привел к остановке торгов множеством акций. Биржа приостановила торги всеми этими бумагами…
-
Первая женщина-главред The Washington Post покинула должность
Главный редактор The Washington Post Салли Базби покидает свой пост. Должность она заняла в мае 2021 года, став первой женщиной на этой позиции. На место Базби пришел Мэтт Мюррей, бывший главный редактор The Wall Street Journal…
-
Руперт Мердок женился на бывшей теще Абрамовича, биологе Елене Жуковой
Медиамагнат Руперт Мердок женился на Елене Жуковой — молекулярном биологе и бывшей теще российского бизнесмена Романа Абрамовича. Бизнесмену 93 года, невесте — 67 лет…
-
Nestle сосредоточилась на питании для пожилых из-за снижения рождаемости
На фоне снижения рождаемости одним из главных приоритетов начинавшей с детского питания Nestle стали пищевые продукты для стареющего населения, заявил глава компании. Однако фирма не отказывается от детского питания, заверил он…
-
В Линкольн-центре показывают новое итальянское кино
В 23-й раз новейшее итальянское кино показывают в Нью-Йорке. С 30 мая Кинообщество Линкольн-центра совместно итальянской госкорпорацией Cinecittà организуют ежегодный цикл «Открытые дороги. Новое итальянское кино»…
Все новости
Последние годы
Когда именно у Жана-Мишеля начались проблемы с психическим, а затем и физическим здоровьем — сложный вопрос. Не в последнюю очередь на самочувствие художника повлияли наркотики, принимать которые он начал еще в школе, и которых с каждым годом становилось все больше.
С одной стороны, Баския вел активную жизнь с частыми выставками, перелетами и участием в различных мероприятиях: от показа Comme des Garçons в качестве модели до благотворительной акции «Искусство против апартеида». С другой, он не справлялся с обрушившейся на него славой, усложнявшейся репутацией темнокожего представителя мира искусства, где доминировали белые. А еще — с постоянной критикой: пока одни издания кричали о том, что «Баския превратился в того, кого презирал» (то есть в члена привилегированной элиты арт-сферы), другие утверждали, что художник «исписался» и «утратил свою оригинальность».
Автопортрет, 1986
Из-за своей известности Жан-Мишель становился все большим параноиком: окружающих, за исключением самых близких, он подозревал в попытках его использовать, а также боялся кражи картин и преследования Ку-клукс-клана.
В последние годы жизни Баския перешел на тяжелые вещества, что стало отражаться на его поведении и внешнем виде: художник выглядел неряшливо, а на его лице появились пятна, от которых он тщетно пытался избавиться. Когда умер Энди, наркотиков в жизни Жана-Мишеля стало так много, что были обеспокоены все его друзья и родные. Но он упрямо не хотел лечиться.
В апреле 1988 года живописец вновь отправился на Гавайи. По возвращении он объявил друзьям, что избавился от зависимости, однако все попытки воздерживаться провалились.
12 августа 1988 года девушка Баския Келли Инман, которая в тот момент жила с ним в Нохо, зашла в комнату Жана-Мишеля и обнаружила его без сознания. Скорая отвезла художника в больницу, но по прибытии он был уже мертв. Причина — передозировка смесью героина и кокаина.
«Верхом на смерти», 1988 год
Публичное прощание с Жаном-Мишелем состоялось 3 ноября 1988 года в нью-йоркской церкви Святого Петра. Среди 300 людей, которые пришли почтить память Баския, были его родные, друзья и коллеги по творчеству: музыканты, художники, писатели и публицисты.
Tuxedo, 1982
“Tuxedo” shimmies between contrasting cultures, like a hip-hop track playing on an antique gramophone. It gives a nod to the budding voices of Black poets and early rappers. You feel the duality – the life of a Black man navigating a White world and vice versa. Peek at its aesthetic. It’s a visual remix, spitting out verses in image and text form. It’s Basquiat laying down a beat that salutes hip-hop and rap culture.
Look up. That grand crown perched at the pinnacle isn’t just a cool graffiti tag. No, this is Basquiat breaking free. He shakes off the relentless information overload that street life throws at him. He crafts a regal crown, symbolic of emancipation.
Tuxedo by Jean-Michel Basquiat, 1982, Private Collection
Череп без названия, 1981 год.
Создано: 1981
Адрес: Брод, Лос-Анджелес.
Средний: Холст, акрил и масленка.
Габаритные размеры:: 205.74 см × 175.9 см (81.00 × 69.25 дюйма)
Механизм: Неоэкспрессионизм
«Череп без названия» Жана-Мишеля Баския (1981) — знаковая и загадочная картина, воплощающая в себе чистую энергию и дух творчества художника. Работа находится в The Broad, музее современного искусства в Лос-Анджелесе, Калифорния. Крупномасштабная картина размером 205.74 x 175.9 см (81.00 x 69.25 дюйма) отражает уникальное сочетание символизма, текста и изображений, вдохновленных граффити, которое продолжает очаровывать публику и любителей искусства по всему миру (The Broad, nd).
Контекст: В конце 1970-х и начале 1980-х Баския стал ключевой фигурой на арт-сцене Нью-Йорка. Черпая вдохновение из уличного искусства, афроамериканской истории и популярной культуры, Баския разработал уникальный визуальный язык, бросающий вызов традиционным художественным условностям (Saggese, 2014). «Череп без названия» был создан в то время, когда художник получал признание критиков и признание, и является свидетельством его мастерства как художника и социального комментатора (Мейер, 2017).
Образы и символизм: Центральное изображение «Черепа без названия» представляет собой большой, грубо прорисованный человеческий череп, который доминирует на холсте. Захватывающий взгляд черепа и яркие цвета вызывают множество эмоций: от страха и беспокойства до восхищения и удивления (The Broad, nd). Череп — повторяющийся мотив в творчестве Баскии, часто интерпретируемый как символ смертности и отражение человеческого состояния (Emmerling, 2003).
Картина густо покрыта фирменными каракулями и пометками Баскии в стиле граффити, которые сочетают текст и изображения для создания динамичного визуального повествования. Эти элементы отсылают к широкому спектру культурных, исторических и личных влияний: от искусства африканских племен и египетских иероглифов до героев комиксов и джазовых музыкантов (Emmerling, 2003). Сопоставление этих разрозненных отсылок говорит о способности Баскии синтезировать разнообразные идеи и создавать что-то совершенно оригинальное и заставляющее задуматься (Meyer, 2017).
Критический прием и наследие: С момента своего создания «Череп без названия» был признан плодотворным произведением в творчестве Баскии, иллюстрирующим его уникальный художественный стиль и темы, которые пронизывают его творчество. Картина была предметом многочисленных выставок и научных анализов, которые исследовали ее многочисленные смысловые слои и ее более широкое значение для понимания искусства и культуры 1980-х годов (Saggese, 2014).
За годы, прошедшие после безвременной смерти Баскии в 1988 году, его работы, в том числе «Череп без названия», продолжали получать все большее признание: его картины продавались по рекордным ценам на аукционах, а его влияние ощущалось в работах бесчисленного множества современных художников (Мейер, 2017). . «Череп без названия» остается мощным и непреходящим символом художественного гения Баскии, и его присутствие в The Broad гарантирует, что он будет продолжать вдохновлять и бросать вызов зрителям для будущих поколений.
Ссылки:
Эммерлинг, Л. (2003). Жан-Мишель Баския: 1960–1988. Ташен.
Мейер, Р. (2017). Баския: Быстрое убийство в искусстве. Открытые дорожные медиа.
Саггезе, JL (2014). Чтение Баскии: исследование амбивалентности в американском искусстве. Издательство Калифорнийского университета.
Широкий. (без даты). Жан-Мишель Баския: Без названия. Извлекаются из https://www.thebroad.org/art/jean-michel-basquiat/untitled-skull
«Верхом на смерти» (1988)
«Смерть верхом» — это практически рентгеновский снимок: кажется, что художник победил, оседлав вечного врага человечества, но кажется, что он проиграл, потому что диагноз неумолим. Это было сделано в последний год жизни Баскии. Черная мужская фигура в профиль, подвешенная в воздухе, внизу — смерть на четвереньках. Они постепенно растворяются в золотом фоне или тумане (в европейском христианском искусстве такие фоны символизировали небеса и вечность).
Молодые знаменитости часто оказываются в центре внимания СМИ. В 1987 году многим критикам казалось, что Баския повторяется и предназначен только для коллекционеров. Как уже упоминалось, он сам впал в депрессию, в конце концов став жертвой героиновой эпидемии и превратившись из «сияющего ребенка», как его называл критик Рене Рикар, в наркомана.
Смерть от передозировки в 1988 году превратила Баскию в романтического героя и поставила его в один ряд с другими самоуничтожающимися артистами. В 1996 году был выпущен фильм о Баскии, режиссер его друг Джулиан Шнабель — и биографические фильмы о художниках можно сосчитать с одной стороны.
Однако призыв Баскии нельзя назвать поверхностным и основанным только на трагических обстоятельствах жизни, которая вскоре закончилась. В образе дикаря, говорящего правду, либеральный Запад видел надежду на спасение со времен Вольтера. Баския стал одним из этих дикарей, открыв фанатам, что у них нет еще миллионов, чтобы купить его вещи, правду об их зависимом и угнетенном состоянии. Картины Баскии — это шум и ярость, которые может почувствовать каждый, кто чувствует себя в клетке рутины.
1982 — The Peak of Basquiat’s Creativity
Born in Brooklyn, New York, in 1960, Jean-Michel Basquiat started his career as a graffiti artist, tagging the walls and trains with his friend Al Diaz under the name of SAMO. Channeling their angst, the duo left cryptic messages all over the city that expressed everything from frustrations to personal jokes. The duo managed to maintain their anonymity until selling their story for $100 to the Village Voice in 1978 for an article titled SAMO Graffiti: BOOSH-WAH or CIA?, written by Philip Faflick.
Soon, Basquiat began to garner a following and friendships amongst the art crowd, yet it wasn’t until 1981 that he got noticed by the art establishment. After being included in Diego Cortez’s 1981 landmark show, New York/New Wave at MoMA PS1, alongside artists such as Andy Warhol, Keith Haring, Nan Goldin, and Robert Mapplethorpe, his work caught the eye of the influential curator Henry Geldzahler, who was among a handful of art-world power players who made it to the then-fledgling institution in Queens for the exhibition. After a few months, he also acquired a piece by the young artist for $2000. Soon, Basquiat was picked up by his first New York dealer, Annina Nosei, when he finally got a proper studio and all the materials at his disposal.
With the increasing support from the art world, the artist felt free from the pressures of the art market. This led to his breakout year 1982, in which he created his most pivotal works that have become the most desirable to collectors and, subsequently, the most highly valued amongst his roughly decade-long output.
Guided by personal passions, the artist began combining the energetic, forceful lines of his street work with his deep knowledge of art history, creating some of his most iconic canvases. These works were characterized by bold lines, big central figures, and a bright color palette, as well as a clarity of vision and narrative that came from his blossoming confidence. Being recognized by the establishment for the first time, Basquiat was included in a string of important gallery and museum exhibitions throughout the year that further placed him on the map and jumpstarted his art market.
Новостная лента
-
Акции холдинга Уоррена Баффета рухнули почти на 100% из-за сбоя на NYSE
Цена акций Berkshire Hathaway обрушилась на 99,97% по сравнению с уровнем закрытия пятницы. Сбой в работе Нью-Йоркской биржи привел к остановке торгов множеством акций. Биржа приостановила торги всеми этими бумагами…
-
Первая женщина-главред The Washington Post покинула должность
Главный редактор The Washington Post Салли Базби покидает свой пост. Должность она заняла в мае 2021 года, став первой женщиной на этой позиции. На место Базби пришел Мэтт Мюррей, бывший главный редактор The Wall Street Journal…
-
Руперт Мердок женился на бывшей теще Абрамовича, биологе Елене Жуковой
Медиамагнат Руперт Мердок женился на Елене Жуковой — молекулярном биологе и бывшей теще российского бизнесмена Романа Абрамовича. Бизнесмену 93 года, невесте — 67 лет…
-
Nestle сосредоточилась на питании для пожилых из-за снижения рождаемости
На фоне снижения рождаемости одним из главных приоритетов начинавшей с детского питания Nestle стали пищевые продукты для стареющего населения, заявил глава компании. Однако фирма не отказывается от детского питания, заверил он…
-
В Линкольн-центре показывают новое итальянское кино
В 23-й раз новейшее итальянское кино показывают в Нью-Йорке. С 30 мая Кинообщество Линкольн-центра совместно итальянской госкорпорацией Cinecittà организуют ежегодный цикл «Открытые дороги. Новое итальянское кино»…
Crown, 1983
Basquiat, as a Black artist in a dominantly White art world, was deeply concerned with race relations, identity, power structures, and social dichotomies. The crown symbol in his work embodies these themes by celebrating Black identity, cultural achievements, and challenging the status quo through proudly crowning his heroes, and even himself, within the contemporary art scene.
It can also be seen as a way for him to convey his own aspirations and his quest for recognition in the art world. The crown in Basquiat’s works directly communicates his respect and admiration for the accomplishments and resilience of Black culture and stands as a form of empowering affirmation.
Crown by Jean-Michel Basquiat, 1983, Private Collection
Галерея Аннины Носей
Вскоре после первых выставок галерист и арт-дилер Аннина Носей, увидевшая произведения Баския в MoMA PS1, предложила Жану-Мишелю сотрудничать. Она предоставила молодому художнику подвал своей галереи в качестве студии и спонсировала покупку материалов.
Наконец-то Баския мог творить, не задумываясь о том, где раздобыть холсты и краски! И он с головой погрузился в работу, создавая порой по три картины одновременно. Друзья, которые бывали в студии Жана-Мишеля, рассказывали, что он писал под звуки джаза и телевизора, перемещаясь от картины к картине и периодически перелистывая какие-то книги.
Баския и Аннина Носей в студии-подвале Жана-Мишеля
Стиль живописца развивался и претерпевал изменения: цвета полотен стали ярче, уменьшилось количество надписей, которыми изобиловали ранние работы, но добавилось множество деталей, которыми живописец заполнял большие примитивные фигуры. Аннина приводила в подвал галереи коллекционеров искусства, которые восхищались картинами Баския и стремились немедленно приобрести их.
Чтобы обеспечивать полотнами всех желающих, Жан-Мишель трудился без устали — в художественной среде даже появились шутки о том, что его произведения не успевают просохнуть до продажи. Да и сам Баския часто оставался недоволен тем, что в связи с бешеным спросом ему приходилось расставаться с картинами до того, как он счел бы их оконченными. Тем не менее, результаты этой непрерывной работы давали о себе знать: одна выставка следовала за другой, а в декабре 1981 года журнал Artforum выпустил целую статью The Radiant Child («Лучезарное дитя»), посвященную художнику, что повысило его известность.
«Без названия», 1982
Тем временем, по совету Носей Баския снял лофт в Сохо и переехал туда вместе со своей девушкой Сьюзан Маллук. До внезапно пришедшей популярности Жан-Мишель существовал на ее средства в ее же квартире (Сьюзан была официанткой). Отныне лофт на Кросби-стрит стал настоящей цитаделью художника: там он жил, работал и устраивал вечеринки, не прекращая творить.
В июне 1982 года Баския стал самым младшим участником важной международной выставки современного искусства documenta, где его картины демонстрировались наравне с работами Йозефа Бойса, Сая Твомбли, Герхарда Рихтера и Энди Уорхола. Осенью того же года тесное сотрудничество Жана-Мишеля и Аннины подошло к концу — во многом из-за изматывающего темпа, в котором галерист заставляла работать художника
Баския заперся в своем лофте и продолжил творить по своим правилам. Позже он рассказывал об этом периоде: «У меня было немного денег; я создал лучшие картины за все время. Я жил как настоящий затворник, много работал, принимал много наркотиков. И вел себя ужасно по отношению к людям»
Осенью того же года тесное сотрудничество Жана-Мишеля и Аннины подошло к концу — во многом из-за изматывающего темпа, в котором галерист заставляла работать художника. Баския заперся в своем лофте и продолжил творить по своим правилам. Позже он рассказывал об этом периоде: «У меня было немного денег; я создал лучшие картины за все время. Я жил как настоящий затворник, много работал, принимал много наркотиков. И вел себя ужасно по отношению к людям».
«Без названия (Голова)», 1982
Irony of a Negro Policeman, 1981
“Irony of a Negro Policeman”, confronts the questions of race and power. It’s bold, it’s daring, and it homes in on a raw truth. With his art, Basquiat gave the Black figure center stage because, in his words, they were never really portrayed realistically or enough in modern art. This piece is a potent critique.
It’s a Black policemen’s portrayal – an African-American enforcing rules that paradoxically were enacted to oppress his race. The irony is piercing and willfully emphasized by Basquiat. The policeman in his painting is a distant, authoritarian figure. The face is akin to a mask, and the hat, uncannily, mirrors a cage.
One can’t ignore the stinging words, “IRONY OF NEGRO PLCEMN” on the right side. The word “Pawn” sits at the bottom right, highlighting how Basquiat perceives this role – a distressing illustration of systemic oppression.
Irony of a Negro Policeman, by Jean-Michel Basquiat, 1981, Private Collection