Последний творческий этап
С 1900 по 1916 год Климт пребывал в основном на вилле летнего курорта на озере Аттерзее в Верхней Австрии. Здесь написано большинство его многочисленных пейзажей. Часть из них, чтобы охватить больший ракурс, написана с очень дальнего расстояния. И Климт в этих случаях пользовался своим телескопом, разглядывая нюансы цвета и теней среди выбранных деталей ландшафта. Его пейзажи очень объемные, великолепно создают впечатление пространства и воздушной среды. В начале 1910 годов совсем исчезает золото и орнаментальные мотивы в его работах. Цвет становится главным инструментом художника для передачи идей и чувств.
Порочный сластолюбец
По воспоминаниям современников, Климт вступал в сексуальные отношения с каждой своей моделью, без этого просто терял вдохновение. Темпераментный художник умел очаровать и своим напором добиться взаимности – женская натура так устроена, что ей как раз нужна настойчивость мужчины, особенно вкупе с обаянием и талантом. Климту как плодовитому самцу приписывают до 40 детей, некоторые были признаны им официально. Несколько раз собирался жениться, но так ни разу и не сделал этого. Любвеобильность была единственным пороком художника, имеющим тяжкие последствия для здоровья (перенёс сифилис), в остальном он был вполне обычен: замкнут с коллегами, одержим в работе, в повседневной жизни сдержан и скромен.
Главные женщины в жизни Климта
Две женщины, две настоящие привязанности – мать и подруга – были рядом с художником, что бы ни случилось. Мать посвятила себя прославленному сыну: живя в его доме, молча и спокойно брала на себя все бытовые заботы, чтобы Густав, не отвлекаясь, творил. Подруга – Эмилия Флёге – сестра жены родного брата Густава. С семьёй Флёге художник особенно сблизился, когда брат умер, и пришлось брать на себя заботы о вдове Эрнста с маленькой дочкой. Эмилия была модельером в семейном модном доме «Сёстры Флёге». Какая это была связь, платоническая или любовная, остаётся загадкой. Но эти отношения самые ценные для художника: умирая, он просил позвать Эмилию.
Fischblut (Blood of Fish) – style and aesthetics
Fish Blood (Blood of Fish) marked a stylistic departure for Klimt from a more classical,conventional Realist aesthetic and artistic practice to a Modernist approach. The ArtNouveau style that Fish Blood hints at continued throughout Klimt’s oeuvre, where hecontinued to change his use of shape, figuration, symbol, and space, departing from thethree-dimensionality of Realism and embracing a cleaner, more contemporary approach tothe figure of the body.
The piece demonstrates Klimt’s focus on the female body, which would continuethroughout his work, eventually becoming a characteristic for which Klimt continues to befamous.
The general aesthetic of Fish Blood (Blood of Fish) is luscious, and there’s an embrace ofpleasure, sensuality, and sexual freedom in the piece. The women’s free-flowing hair mimicsthat of the clean, curved lines behind them, as they allow their bodies to recline and flowfreely in the water’s motion with a kind of ecstatic abandon.
It was this embrace of sensuality and pleasure – in particular female pleasure – thatcharacterised Klimt’s work moving forward. He continued to recoil from conservativeattitudes towards sexuality in a way that was genuinely radical at the time of his practice.
The focus on more radical themes and styles demonstrated by Fish Blood continuedthroughout Klimt’s artistic practice, and, in fact, arguably had precedent in the ceilingpaintings that the University of Vienna commissioned from him and eventually rejected. Thepainting Medicine, in particular, showed a floating female figure to the upper left of the oilsketch, which is not dissimilar (though created in a more Realist style) to the floating femalefigures of Fish Blood (Blood of Fish).
Творчество 1891 – 1900 годов
С этого периода появляется серия женских портретов: «Молодая женщина в кресле», «Женский портрет», «Девушка у камина», «Девушка в кресле», «Портрет Сони Книпс» и другие. Одни из них прорисованы с фотографической тщательностью, другие больше напоминают манеру импрессионистов. В это же время у художника вырабатывается свой характерный стиль.
Золотой фон присутствовать в нескольких картинах художника. Густав Климт начинает впервые использовать его с середины 1890-х годов. Мастер был увлечен японским изобразительным искусством, и его работы напоминают творчество Огата Корина, живописца XVII века. С того времени применение тонкого покрытия драгоценным металлом становится характерным для произведений Климта, особенно в его «Золотой период».
Начало работы «Венского сецессиона» представляет время модерна и, вероятно, является поворотной фазой в творчестве Климта. На его работы тех лет явно повлияли такие признанные художники, как Франц фон Штук и Ян Тороп. Например, изображение в картинах Густава Климта женских волос напоминает живопись Торопа. «Джудит I», написанная Климтом в 1901 году, кажется, вдохновлена «Грехом» Франца фон Штука. Положение двух тел в «Водных змеях» Климта соответствует примерно тому, что было у Эдварда Берн-Джонса в 1887 году на картине «Глубины моря».
В конце XIX века появляется, ставший в итоге характерным для творчества Климта, образ женщины, символизирующей «обнаженную истину» (Nuda Veritas). Первое изображение Nuda Veritas Климта было иллюстрацией к мартовскому номеру журнала Ver sacrum. И прототипом для нее, вероятно, послужила собственная «Изида» художника из «Египетских изображений» (Zwickelbild Egypt) 1891 года.
1880 – 1990 гг., начало деятельности
К 1880 году Франц Матч, Густав и его брат Эрнст зарегистрировали сообщество художников Künstler-Compagnie с рабочей студией на Йозефштедтер-штрассе в Леманне. Компания начала получать заказы на оформление общественных зданий. Среди прочего группа разрабатывала занавесы и потолочные картины для театров в Райхенберге, Гермесвилле, Карлсбаде и Фиуме в 1885 году. В новом здании венского «Бургтеатра» в 1886-1888 гг. друзья создали потолочные фрески и междуколонные картины, мозаичное панно. В 1891 – 1892 годах оформляли фресками Художественно-исторический музей Вены, и также замок Пелеш в Румынии. После того как младший брат художника Георг Климт в 1888 году достиг совершеннолетия, Густав на год отправляется в творческое путешествие в Краков, Триест, Венецию и Мюнхен.
В 1888 году Климт императором Австрии награжден «Золотым орденом за заслуги». Так были отмечены фрески, написанные художником для венского «Бургтеатра». После этого Климт стал почетным членом Мюнхенского и Венского университетов.
The Three Ages of Woman
- Date created: 1905
- Dimensions: 180 × 180 centimeters (71 × 71 inches)
- Location: Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome, Italy
The Three Ages of Woman was initially referred to as “Die Drei Lebensalter” or “The Three Ages.” As the name of the painting suggest, it depicts 3 women in the various stages of their life in the typical Vienna Secession style that Gustav Kmit helped to develop.
The painting was first exhibited at the second exhibition of the Deutsche Künstlerbund, shortly after it was completed in 1905. It eventually made its way to Italy and can be admired at the Museum of Modern Art in Rome, Italy.
The Three Ages of Woman / Wiki Commons
Beethoven Frieze
- Date created: 1901-1902
- Dimensions: 2.15 x 34 meters (7.05 x 111.54 feet)
- Location: Secession Building, Vienna, Austria
The Beethoven Frieze is the most remarkable work of art inside the Secession Building in Vienna. This building was constructed in 1898 and was intended to be the architectural manifestation of the Vienna Secession movement which had recently emerged at the time.
As you surely expected, this building is used as an art gallery and features the most iconic work of the Vienna Secession movement called the “Beethoven Frieze.” This immense work of art was moved into a climate-controlled room and is on permanent display inside the building.
The central part of the Beethoven Frieze / Wiki Commons
The Golden Phase
Early Examples
Pallas Athene is often regarded as the earliest piece from Klimt’s Golden Phase. Completed in 1898, this oil painting depicts the Greek goddess Athena clad in armor and striking a defiant pose. While this piece still features the classical influence present in his early pieces, its bold use of gold and the presence of patterns hint toward Klimt’s coming work.
“Pallas Athena, 1898 (Photo via Wikimedia Commons Public Domain)
Another early example from this period is Judith I. Like many of his later pieces, this painting features a portrait of a woman (in this case, it is Judith, a biblical figure famous for slaying Holofernes, an invader) surrounded by decorative designs and set against a gold background. Similarly, Klimt also depicts the female figure with erotic undertones—an approach that would become intrinsic to his practice during this period.
“Judith I,” 1901 (Photo: Gemeente Museum via Wikimedia Commons Public Domain)
In 1902, Klimt moved deeper into his Golden Phase with the Beethoven Frieze. This 112-foot-long wall cycle was created for the 14th Vienna Secessionist exhibition. It pays homage to the German composer and pianist Ludwig van Beethoven by offering a visual interpretation of his 9th Symphony. It also features the opulent planes, mystical motifs and figures, and ornamental accents that have come to characterize Klimt’s golden paintings.
Detail of the “Beethoven Frieze,” 1902 (Photo via Wikimedia Commons Public Domain)
The Height of the Period
Klimt’s Golden Phase reached full fruition with three key works: Portrait of Adele Bloch-Bauer I, The Stoclet Frieze, and The Kiss.
As a successful painter and prominent figure in Vienna’s contemporary art scene, Klimt was often commissioned to paint portraits of the capital city’s upper-class women. The most well-known of these depictions is Portrait of Adele Bloch-Bauer I (1907), a piece that features the wife of a wealthy Jewish banker. Though this piece portrays one of Klimt’s real-life contemporaries, its bold use of gold gives it an ethereal feel reminiscent of a Byzantine mosaic, illustrating the timeless quality of the “new Viennese woman.”
“Adele Bloch-Bauer I,” 1907 (Photo: Neue Galerie via Wikimedia Commons Public Domain)
Between 1905 and 1911, Klimt created the Stoclet Frieze, a series of three extravagant mosaics commissioned for the dining room of the Stoclet House in Brussels. The focal point of the entire set is the Tree of Life, a stylized portrayal of a tree with swirling, spiraling branches, intricate pattern-work, and symbolic motifs inspired by ancient art. The tree is complemented by figures, including an elegant dancer and a couple that bears a striking resemblance to the lovers featured in The Kiss. In his studies for the frieze, Klimt adorned the scene with gold accents.
Study for the “Tree of Life,” ca. 1905-1909 (Photo: The Yorck Project via Wikimedia Commons Public Domain)
Arguably Klimt’s most famous work, The Kiss was completed in 1908. It portrays a man and a woman as they peacefully embrace in a patch of shimmering flowers. Clad in contrasting patterns and predominantly composed of gilded forms, they encompass the decorative focus of Klimt’s Golden Phase.
“The Kiss,” ca. 1907-1908 (Photo: Google Arts & Culture via Wikimedia Commons Public Domain)
Historical Background to Fischblut (Blood of Fish)
Klimt continues to be recognised for his radical focus on the sensuality and eroticism of thefemale body. However, at the time of his work, the degree to which Klimt took inspirationfrom the female body led to criticism.
In 1894, Klimt had been commissioned to produce three ceiling paintings for the Great Hallof the University of Vienna. Upon their creation, these paintings – Philosophy, Medicine, andJurisprudence – were criticised for what was seen as their pornographic aesthetics. Klimtwas so enraged by this response and refusal of his art that it prompted him to swear offpublic commissions forever. The paintings he created were never hung at the University,and were in fact eventually destroyed at the end of World War II.
Around the same time, Klimt gave up his membership to Vienna’s premiere society of artists(the Association of Austria Artists, or Kunstlerhaus) alongside a number of othercontemporary artists and designers. Klimt and his contemporaries were frustrated by whatthey saw as the priority given to more conservative, traditional artistic styles when it cameto exhibition space. Along with others including architects Josef Hoffman and Otto Wagner,and designer Koloman Moser, Klimt co-founded The Vienna Secession on 3 April 1897.Although they refused an official manifesto, the group was designed to provide a space formore radical young artists to exchange ideas and exhibit their pieces.
Whilst the Secession did eventually fracture and fall apart as a result of in-group fightingand disagreement, with Klimt and others leaving in 1905, it was nonetheless a revolutionaryand reformative art movement that had been created in order to challenge pre-existingacademic traditions. It was during his time in the Secession that Klimt arguably createdsome of his most famous pieces – including Fischblut (Blood of Fish).
Gustav Klimt Blood of Fish 1898
Стиль меняется
Кроме недовольства собой на формирование индивидуального художественного стиля, возможно, повлияла смерть отца и брата в 1892 году – Густав был потрясён трагедией, кроме того, теперь он отвечал за большую семью финансово. Тревожное состояние души повлекло явные перемены в профессии: становилась иной манера письма. Отход от классической живописи, появление отличительных признаков загадочного символизма и динамичного модерна, формирование собственного, не имеющего аналогов, художественного почерка – так поэтапно родился уникальный стиль мастера, который впоследствии прославил Климта.
Judith and the Head of Holofernes
- Date created: 1901
- Dimensions: 84 × 42 centimeters (33 × 17 inches)
- Location: Österreichische Galerie Belvedere, Vienna, Austria
Judith and the Head of Holofernes is a painting also referred to as “Judith I.” That’s because he completed a work called “Judith II” in 1909. The painting depicts the Biblical figure, Judith, after she has beheaded Holofernes, an invading Assyrian general.
Judith has been a popular figure in the world of art ever since the Renaissance and was depicted by numerous great masters. Klimt refrained from using the gore that was included by arguably the best-known depiction of this woman by Caravaggio.
Judith I and Judith II /Wiki Commons
Later Work
Around 1911, Klimt stopped decorating his canvases with gold leaf. Instead, he began incorporating intricate planes of kaleidoscopic color into his compositions, culminating in designs reminiscent of woven tapestries or inlay decoration.
“Death and Life,” ca. 11910-1915 (Photo: Google Arts & Culture via Wikimedia Commons Public Domain)
Klimt worked in this style until his death in 1918. While these works remain a celebrated part of his portfolio (Death and Life received first prize in the 1911 International Exhibition of Art in Rome), it is the glittering pieces from his Golden Period that seem to stand out from the rest.
Detail of “The Kiss”
Первые картины
Живописные работы раннего периода отличались практически фотографической достоверностью изображения – Климт в соответствии с полученным образованием следовал канонам и авторитетам академизма. Как направление в искусстве он характеризуется безапелляционным отношением к классическим произведениям: их художественная ценность является абсолютной и непреложной. В традиционной манере была написана серия работ, которая принесла художнику популярность. С начала 1890-х Климт, ежегодно отдыхая в живописных озёрных местах Верхней Австрии, увлекся пейзажами. Но ему не хватало сильных эмоций и таинственных символов, реализм собственных картин его не удовлетворял.
The Tree of Life, Stocklet Frieze
- Date created: 1909
- Dimensions: 195 x 102 centimeters (77 x 40 inches)
- Location: Museum of Applied Arts, Vienna, Austria
The Tree of Life is part of the Stoclet Frieze, a series of 3 mosaics that decorate the Palais Stocklet in Brussels Belgium. This opulent Art Nouveau building was constructed between 1905 and 1911 for rich Begian finance Adolphe Stocklet (1871-1949).
Klimt earned the commission and decorated the interior of the building with 3 paintings that depict Trees of Life, a standing female figure, and an embracing couple. These are located on the walls of the dining room and the Tree of Life is considered to be one of the most iconic of all Gustav Klimt paintings.
The Tree of Life / Wiki Commons
Fischblut (Blood of Fish) and other Klimt artworks
Fish Blood (Blood of Fish) can be seen as heralding future Klimt artworks, including Goldfish(1901 – 02), Moving Water (1898), Nymphs (Silver Fish) (1899) and Water Serpents I (1904)and Water Serpents II (1904 – 07). In each of these artworks, female bodies are displayed insensual, evocative positions, and possess a curving grace and ethereal embrace of theirpleasure and eroticism.
Goldfish developed the same Symbolism and Art Nouveau elements of Fish Blood, andshows a similar use of the naked female body alongside aquatic figures and images,including that of a goldfish head, much like in Fish Blood (Blood of Fish). Moving Water isvery similar to Fish Blood, in that it shows naked female figures enveloped by loose-flowinghair, drifting through water. It has been suggested that Fish Blood was the inspiration forMoving Water.
By virtue of the fact that Goldfish was initially named ‘To my critics’, it is clear that this piecewas created by Klimt in direct refusal of the very conservative attitudes that had resulted inthe refusal of his paintings by the University of Vienna. Klimt only changed the name of thepiece to Goldfish when he came to display it during a 1903 Secession exhibition, but thepress was nonetheless furious with the artwork for its explicitly erotic provocations.
Gustav Klimt – Water Serpents
Университетский скандал
В 1894 году Климт получил заказ на роспись потолка в актовом зале Венского университета. Видение художником символов факультетов в виде обнажённых женщин шокировало приёмную комиссию. Профессора не поняли замысла автора и посчитали работу просто непристойной и неуместной в стенах университета. Заказ аннулировали, потребовали возврата аванса. Климт был удручён и обозлён, но и не подумал что-то менять, продолжил развитие своей новой манеры письма – ведь в этом был он сам, он-художник так видел и выражал себя.
Картины были закончены и проданы частным коллекционерам. Представление о них можно получить по чёрно-белым фотографиям и копиям низкого качества – подлинники сгорели в пожарах Второй мировой войны.
Idylle
- Date created: 1884
- Dimensions: 49.5 x 73.5 centimeters (19.4 x 28.93 inches)
- Location: Vienna Museum, Vienna, Austria
Idylle is one of the earlier paintings of Gustav Klimt produced in the 1880s, a period in which he was painting in the traditional academic style influenced by Neoclassical artists. Together with his brother and a friend he had set up a company called “Company of Artists.”
The 1880s were a very busy period in Klimt’s life because many new buildings were constructed in Vienna along the newly constructed Ring road which replaced the fortified city walls. Idylle is one of the many works commissioned to decorate one of these structures.
Idylle / Wiki Commons
«Поцелуй»
Эта картина 1907 – 1908 годов является не только самой знаменитой, но также знаковой для творчества Климта в такой же степени, что и «Джоконда» для да Винчи. Вся композиция, цветовое и техническое решение создают впечатление, что это полотно — икона пламенной и нежной любви.
Картину «Поцелуй» Густав Климт изобразил на идеальном квадрате холста размером 180 на 180 см. Сплетенные в объятиях мужчина и женина нарисованы у края обрыва, покрытого пестрыми цветами. Их тела почти полностью покрыты одеждами и заключены в подобие золотого ореола, что еще больше напоминает об иконах. Лицо мужской фигуры скрыто, но возникает соблазн увидеть «Поцелуй» как автобиографическое произведение, в котором художник изобразил себя. Кто мог оказаться в таком случае прототипом женской фигуры? Эту загадку решают искусствоведы много лет. Оставив недосказанность и некую двусмысленность в изображенных личностях, художник тем самым повышает привлекательность произведения. В картине «Поцелуй» Густав Климт воплощает не просто субъективное или ситуационное значение, а универсальное, вневременное видение романтической любви.
Произведение было представлено художником на венской выставке Кунстшау в 1908 году. Его сразу приобрело Министерство культуры и образования Австрии. Хранится полотно в галерее Бельведер на родине художника.
Творческое объединение против академизма
3 апреля 1897 года Густав Климт с группой единомышленников организовал своё объединение художников, протестующих против консерватизма в искусстве. Так называемый Венский сецессион основан по примеру подобных организаций в Берлине и Мюнхене. Толчком стал отказ администрации венского Дома художников принять работы Климта на выставку. Сначала в группе были только художники, позднее примкнули литераторы и музыканты. Правительство, поддерживая движение, выделило участок в городе. В 1898 году построен собственный выставочный павильон, над входом которого сверкает золотом девиз движения: «Каждому времени своё искусство, каждому искусству своя свобода».
Portrait of Adele Bloch-Bauer I
- Date created: 1907
- Dimensions: 140 × 140 centimeters (55.12 × 55.12 inches)
- Location: Neue Galerie, New York City, United States
Portrait of Adele Bloch-Bauer I is also known as “The Lady in Gold” and si another famous Gustav Klimt painting produced during his Golden period. It depicts Adele Bloch-Bauer, a Viennese socialite and the wife of Ferdinand Bloch-Bauer, a rich Jewish banker.
The painting ended up at the Galerie of the Belvedere Palace in Vienna after being stolen by the Nazis during World War II. One of Ferdinand’s nieces named Maria Altmann successfully reclaimed the painting after an extensive legal battle and sold the painting for $135 million in New York City, a record price for a painting in the early 21st century.
Portrait of Adele Bloch-Bauer I / Wiki Commons
Картины сегодня
Климт всегда, на каждом творческом этапе, был востребованным художником и никогда не знал недостатка в состоятельных заказчиках. Многие его работы были куплены для музеев, но большинство приобреталось для частных коллекций.
В 2006 году пять картин, принадлежащих наследникам Бернхарда Альтмана, были выставлены в Нью-Йорке на аукционе Christie’s и проданы по ошеломляющей стоимости:
- Первый портрет Адели Блох-Бауэр , известный как «Золотая Адель», или картина «Женщина в золотом», Густавом Климтом написана в 1907 году. Полотно приобретено за 135 миллионов долларов Рональдом Лаудером для нью-йоркской Новой галереи. В то время это была наиболее высокая цена за картину, сейчас в списке самой дорогой живописи произведение занимает восьмой пункт.
- Второй портрет Adele Bloch-Bauer, написанный в 1912, куплен участником торгов за 87,936 млн долларов. На тот момент это была пятая по размеру стоимость за картину в мире.
- Bauerngarten (Blumengarten) 1903 года, ушла с аукциона за 33 056 млн. долларов.
- Apfelbaum I (1912) продана за 40,336 млн долларов.
- Пейзаж «Дома в Унтерах-ам-Аттерзее», написанный около 1916 года, куплен за 31,376 млн долларов.
Климт является одним из важнейших художников периода Арт Нуво в Австрии, а также занимает лидирующие позиции в международном масштабе. Тем не менее его работы были частично проигнорированы немецкоязычной художественной критикой первой половины XX века или приняты как чистая декоративная живопись. Только позже его статическая символика и орнаментальная абстракция стали признанной тенденцией в развитии современной живописи. Кроме того, Климт продвигал молодых художников, таких как Эгон Шиле или Оскар Кокошка, таким образом внося еще один важный вклад в прогресс современного искусства.
Скандальный заказ 1990 года
В 1894 году австрийское министерство образования Климту поручило исполнить три крупномасштабных полотна для украшения потолка в зале факультета живописи Венского университета. До 1990 года не все картины были готовы. Первую же работу — «Философия» — университетские профессора подвергли беспощадной критике. При этом «Философия», выставленная Климтом на парижской выставке 1990 года, удостоилась золотой медали. Художник изобразил обнаженную женскую натуру в аллегорической форме, однако все его работы подобного плана обладают невероятной силой эротизма. После скандала австрийская общественность еще в меньшей степени была готова к компромиссному восприятию написанных в 1991 году картин Густава Климта с названиями «Медицина» и «Юриспруденция». Признанные порнографическими изображениями, эти работы были жестоко отвергнуты университетскими, политическими, религиозными и культурными кругами.
Все три полотна художник выставлял в «Сецессионе», и относительно их содержания у Климта с Францем Матчем произошли серьезные разногласия. «Теология» Матча была принята преподавательской комиссией и все еще находится в Венском университете. Журналист Карл Краус в журнале The Torch, защищая университетский отказ от «Философии» Климта, пренебрежительно отметил, что Париж, который импортирует искусство в стиле «goût Juif» (еврейский вкус), безусловно, одобрил бы полотна для храма науки, такого как университет. После скандала Климт больше не принимал государственные заказы, посвятив себя портретной и пейзажной живописи.